Kulturnachrichten

28.01.2022

Die Deutsche Stiftung Denkmalschutz

 

 

 

Die Deutsche Stiftung Denkmalschutz ist die größte private Initiative für den Denkmalschutz in Deutschland. Sie setzt sich kreativ, fachlich fundiert und unabhängig für den Erhalt bedrohter Denkmale ein. Ihre vielfältigen Aktivitäten reichen von pädagogischen
Schul- und Jugendprogrammen bis hin zur bundesweiten Aktion „Tag des offenen Denkmals“. Insgesamt konnte die Deutsche Stiftung Denkmalschutz dank der aktiven Mithilfe von über 200.000 Förderern bereits über 5.000 Projekte mit mehr als einer halben Milliarde Euro in ganz Deutschland unterstützen. Sie finanziert ihre Arbeit vor allem durch private Zuwendungen und Spenden. Darüber hinaus wird sie durch Mittel der staatlichen Lotterie GlücksSpirale unterstützt.

 


Art Center's old hall to be transformed into one huge vibrating instrument

LARS GREVE: En verden, der melder sig - 14.02. – 20.02.2022

Lars Greve, En verden, der melder sig, Copenhagen Contemporary. Foto: Fryd Frydendahl
Lars Greve, En verden, der melder sig, Copenhagen Contemporary. Foto: Fryd Frydendahl

 

(Kopenhagen/ CC) - With his clarinet, the Danish sound artist Lars Greve adds sound to Copenhagen Contemporary's (CC) 600 m2 Hall 6. A more than 100-metre-long ventilation pipe, which was once part of the shipyard B&W's welding hall, is brought to life with sounds and music that invite guests to move to a unique listening experience.

During the winter holidays woodwind player and composer Lars Greve transforms CC's Hall 6 into a resonating space. Over a period of seven days Greve will perform fourteen improvised sound installations in the old welding hall whose architecture

and extensive ventilation system become a huge instrument unlocking new sonic dimensions.

Greve is intent on finding out how to give us, as listeners, a feeling that the music resonates within us. He grew up surrounded by sea and forest in Western Jutland and plays the clarinet so that it doesn't merely sound like a clarinet, but more like the nature that shaped him. Greve is on an existential journey of discovery, exploring the music whose slow and insistent tempo invites guests to join in.

Using an extensive set-up developed by Greve himself, the clarinet's sound is amplified through Hall 6's 100-metre-long ventilation pipe. The sound of the metal differs from one place to another, and the character of the sound changes as the

guests move around the room and feel the vibrations. Greve transforms the pipes into a pulsating lung mechanism - you can feel the sound, lean into the sound, shape the sound and let it grow into an inner resonance.

Resonance will create physical vibrations that can be translated into something emotional; a mood will strike a chord with the individual listener, amplifying something within her or him.

Greve has chosen to leave Hall 6 as it is, so the incoming light, weather and guests will all be part of the experience. The sound installations will take place both in daylight and after dark, with Greve playing by musical intuition in a symbiosis with

the space and the audience. No two of the fourteen sound installations will be identical. There are no rows of chairs, no stage elevation - just Greve with his clarinets in the resonating space. Young and old alike are invited to move silently

about in order to listen to a world unfolding.

 

Program

In week 7 there will be two daily performances which you can access with a valid entrance ticket to CC.

 

Each one will last for approximately 40 minutes. Space is limited, so please sign up on arrival at CC

Monday 14 February: 12.00 and 15.00

Tuesday 15 February: 12.00 and 15.00

Wednesday 16 February: 12.00 and 15.00

Thursday 17 February: 15.00 and 20.00

Friday 18 February: 12.00 and 15.00

Saturday 19 February: 12.00 and 15.00

Sunday 20 February: 12.00 and 15.00

 

About Lars Greve

Lars Greve (b.1983) graduated as a soloist from the Rhythmic Music Conservatory in Copenhagen where he has been part of their Artistic Research Programme as an affiliate since 2019, doing research on resonance. As part of his musical career he has performed with a host of Danish and international artists and received numerous  awards for his music for releases, films and theatre and dance performances. As artistic director of the independent institution Resonating Rooms, Greve is also a

major driving force behind contemporary cultural projects. His vision is to develop and sustain broad popular communities through inter-aesthetic collaborations, an approach that has spawned a number of relevant and thought-provoking works, of

which the most recent are Solhverv (Solstice), a portrait of his native region created together with the art photographer Fryd Frydendahl, and the solo album Dødedans (Dance of Death), an aluminium cover weighing three kilos, created in collaboration with the sculptor Ingvar Cronhammar.

 

About Resonating Rooms

En verden, der melder sig is one of several projects that Greve is running on the platform Resonating Rooms - a cultural institution for contemporary music focusing on approachable and innovative music projects. Resonating Rooms is a 'school' for modern contemporary music, but not a school in the traditional sense. It is neither built of bricks nor filled with students and teachers. It is a school in the original meaning of the word, namely 'leisure or free time' - a free space focused on

development and education through new music.

 

Read more here: www.resonatingrooms.com

 

En verden, der melder sig has received generous financial support from the William Demant Foundation and the Danish Arts Foundation and is presented in collaboration with Resonating Rooms


FONDATION BEYELER: Ausstellung vom 23. Januar bis 22. Mai 2022

Eröffnung «Georgia O’Keeffe»

(Basel/fb) - Mit einer großen Retrospektive zu Georgia O’Keeffe (1887–1986) präsentiert die Fondation Beyeler eine der bedeutendsten Malerinnen des 20. Jahrhunderts und herausragende Persönlichkeit der modernen amerikanischen Kunst. Die Ausstellung beleuchtet O’Keeffes besondere Art und Weise, ihre Umgebung zu betrachten und in neue, bis dahin unbekannte Bilder der Realität zu übersetzen.

«Man nimmt sich selten die Zeit, eine Blume wirklich zu sehen. Ich habe sie gross genug gemalt, damit andere sehen, was ich sehe.»

Dieses frühe Zitat aus dem Jahr 1926 ist zu einem roten Faden für O’Keeffes Kunst und Leben geworden. Von O’Keeffes frühesten Abstraktionen bis hin zu ihren ikonischen Darstellungen von Blumen und Landschaften aus dem Südwesten der Vereinigten Staaten bietet die Ausstellung eine umfangreiche Auswahl von zum Teil selten gezeigten Gemälden aus öffentlichen und privaten Sammlungen.

Die Ausstellung wurde von der Fondation Beyeler, Riehen / Basel, vom Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid, und vom Centre Pompidou, Paris, in Partnerschaft mit dem Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe, organisiert.

 

 

 

 

 

Gutschein–Aktion zum Start


2022 feiert die Fondation Beyeler ihr 25-jähriges Bestehen. Als besondere Aktion für alle Besuchenden werden vom 24. Januar bis 6. Februar 2022 Eintrittsgutscheine für 20 statt 25 CHF angeboten, die das ganze Jahr über gültig sind. 


Harry Styles: Nachholtermine und neue Show in Hamburg bestätigt

Source GTC
Source GTC

 

(Frankfurt/ln) - Harry Styles hat die neuen Termine für seine Welttournee inklusive zusätzlicher Shows bekannt gegeben. Der mehrfach Platin-ausgezeichnete Musiker beginnt seine kolossale 32 Städte umfassende Konzertreise im Juni 2022 mit drei neuen Stadion-Terminen in UK, gefolgt von vier weiteren Stadien-Auftritten in Europa einschließlich einer neuen Show am 26. Juni im Hamburger Volksparkstadion. Im Juli folgen die europäischen Nachholkonzerte der verschobenen Arena-Termine sowie einer neuen Show in der Accor Arena in Paris, ehe die Love On Tour später in diesem Jahr in Lateinamerika ihren Abschluss findet. In Deutschland sowie Österreich gastiert Harry Styles zwischen dem 26. Juni und 22. Juli für insgesamt 5 Konzerte in Hamburg, München, Wien, Berlin und Köln.

Bereits erworbene Tickets für alle verlegten Konzerte behalten ihre Gültigkeit. Karten für das am 4. März 2021 geplante, aber abgesagte Konzert in der Hamburger Barclays Arena können bei der jeweiligen Vorverkaufsstelle zurückgegeben werden. Ticketinhaber für diese abgesagte Show erhalten die Möglichkeit, am exklusiven Ticketholder Presale teilzunehmen, um frühzeitig Karten für die neue Show im Volksparkstadion Hamburg zu erwerben.

Als Special Guest werden Wolf Alice bei den Konzerten in Deutschland, Österreich sowie weiteren ausgewählten Europa-Terminen zu erleben sein. In UK sind Mitski, in Dublin Arlo Parks sowie in ganz Lateinamerika Koffee als Special Guests mit dabei.

Harry Styles hat sich als einer der größten und einflussreichsten Künstler der Musikbranche etabliert. Sein selbstbetiteltes Debüt-Soloalbum wurde weltweit zu einem der meistverkauften Top-10-Alben des Jahres und markierte die beste erste Verkaufswoche eines männlichen Künstlers in der Musikgeschichte. Sein zweites Album „Fine Line“ stieg bei Veröffentlichung direkt an der Spitze der Billboard 200 ein, wurde somit zu Harrys zweitem Nummer-eins-Album in den USA und schrieb Chartgeschichte durch die erfolgreichste Verkaufswoche eines männlichen britischen Solokünstlers, seit Nielsen Music 1991 mit dem elektronischen Handel begann. Seit Beginn seiner Solokarriere hat Harry Styles zahlreiche Auszeichnungen eingeheimst, einschließlich zweier BRIT Awards, eines Grammy Awards, eines Ivor Novello Awards, eines American Music Awards sowie etlichen weiteren auf der ganzen Welt. Überdies war er der erste Mann, der allein auf dem Cover des Vogue Magazine erschien.

Harry Styles ist gleichermaßen erfolgreich als Live-Interpret. Nachdem die Shows der Love On Tour aufgrund der Pandemie verschoben werden mussten, konnte die Tour im September 2021 in Las Vegas schließlich starten. Harry spielte Ende letzten Jahres über 40 Konzerte in den gesamten USA und wurde dafür sowohl von Fans als auch von Kritikern hoch gelobt. Seine Shows sind vollgepackt mit Hit-Singles wie „Sign of the Times“, „Lights Up“, „Adore You“, „Watermelon Sugar“ und „Kiwi“.

Bei der Love On Tour werden alle örtlichen und öffentlichen Gesundheitsrichtlinien sowie die von den Veranstaltungsorten zum Zeitpunkt jeder Show vorgeschriebenen Protokolle beachtet. Fans werden gebeten, sich vor jeder Show auf der Website ihres lokalen Veranstaltungsortes über die neuesten Details und Anforderungen in Bezug auf Gesundheitsschutz und Sicherheit für ihren Termin zu informieren.

 

Live Nation Presents
Harry Styles
Love On Tour


Special Guest: Wolf Alice 

26.06.2022     Hamburg     Volksparkstadion** – neue Show 
11.07.2022     München     Olympiahalle* – verlegt vom 20.02.21
16.07.2022     Wien           Stadthalle* – verlegt vom 19.02.21
20.07.2022     Berlin          Mercedes-Benz Arena* – verlegt vom 06.03.21
22.07.2022     Köln            LANXESS arena* – verlegt vom 26.03.21

Sämtliche bereits im Vorverkauf erworbene Eintrittskarten behalten ihre Gültigkeit. 

 

DEUTSCHLAND: 

**HAMBURG:
Ticketholder Presale:
Mo., 24.01.2022 (96 Stunden)

 

PayPal Prio Tickets:
Mi., 26.01.2022, 10:00 Uhr (Online-Presale, 48 Stunden)
www.livenation.de/paypalpriotickets

 

Samsung Prio Tickets:
Mi., 26.01.2022, 10:00 Uhr (Online-Presale, 48 Stunden)
www.samsung.com/de/members/priotickets

MagentaMusik Prio Tickets in Kooperation mit Samsung:
Mi., 26.01.2022, 10:00 Uhr (Online-Presale, 48 Stunden)
www.magenta-musik-360.de/prio-tickets

 

Ticketmaster Presale:
Do., 27.01.2022, 10:00 Uhr (Online-Presale, 24 Stunden)
www.ticketmaster.de/feature/presale/

 

Allgemeiner Vorverkaufsstart:


Fr., 28.01.2022, 10:00 Uhr

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 ÖSTERREICH:

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Neu: Ein Werk von Lawrence Weiner für die Sammlung des Germanischen Nationalmuseums in Nürnberg

Generaldirektor Prof. Dr. Daniel Hess vor dem Schriftzug der neuen Installation von Lawrence Weiner Foto: GNM, Monika Runge
Generaldirektor Prof. Dr. Daniel Hess vor dem Schriftzug der neuen Installation von Lawrence Weiner Foto: GNM, Monika Runge

(Nürnberg/gnm) - Es ist eines der letzten Werke des US-amerikanischen Konzeptkünstlers Lawrence Weiner (1942 - 2021), das vergangene Woche im Germanischen Nationalmuseum in Nürnberg realisierte wurde: DILUTED & TEMPERED / AUFGELÖST & TEMPERIERT, NEUTRALIZED & MODIFIED / NEUTRALISIERT & VERÄNDERT und ALMOST STOPPED / NAHEZU GESTOPPT ist nun in großen Versalien auf den Wänden des Katalogsaals in der museumseigenen Bibliothek zu lesen. Die Arbeit „Statement #808“ stammt aus dem Jahr 1998 und ist eine Schenkung des Kunstsammlers Harald Spengler an das Germanische Nationalmuseum, das sich sehr über dieses „Weihnachtsgeschenk“ freut.

 

Beeindruckt zeigt sich Generaldirektor Prof. Dr. Daniel Hess: „Mit dieser Installation zeigt das Germanische Nationalmuseum einmal mehr, dass es sich als offenes Museum versteht, das den Austausch zwischen Kunstwerk und Betrachter, zwischen bildender Kunst und Literatur sowie zwischen zeitgenössischen Installationen und historischen Artefakten zu befördern sucht.“


David Chipperfield Architects Berlin mit Sanierung des Süd- und Südwestbaus des Germanischen Nationalmuseums in Nürnberg beauftragt

Abb.: Süd- und Südwest des Germanischen Nationalmuseums in Nürnberg im Vordergrund die aktuelle Baustelle für das neue Tiefdepot Foto: GNM / Florian Kutzer
Abb.: Süd- und Südwest des Germanischen Nationalmuseums in Nürnberg im Vordergrund die aktuelle Baustelle für das neue Tiefdepot Foto: GNM / Florian Kutzer

(Nürnrberg/gnm) - Das Germanische Nationalmuseum in Nürnberg hat letzte Woche das Berliner Büro des international tätigen britischen Architekten David Chipperfield mit der Planung für die Sanierung seines Süd- und Südwestbaus beauftragt. Die an die Stadtmauer grenzenden Gebäude stammen aus der Zeit um 1900 und den 1960er Jahren. Ziel der Sanierung ist der Erhalt der denkmalgeschützten Bausubstanz sowie die energetische und bauphysikalische Ertüchtigung des durch ein Treppenhaus miteinander verbundenen Gebäudetrakts.

„Wir freuen uns, dass mit David Chipperfield Architects Berlin ein renommiertes und im Umgang mit historischen Museumsbauten sehr erfahrenes Büro die Sanierung im Germanischen Nationalmuseum übernehmen wird“,
betont Generaldirektor Prof. Dr. Daniel Hess.

Der Südwestbau wurde 1899 als Backsteinbau in historisierendem Stil fertiggestellt und nach Kriegsschäden teilweise leicht modifiziert wiederaufgebaut. Der Südbau und das Treppenhaus, errichtet zwischen 1963 und 67, verantwortet der bedeutende, in der Tradition des Bauhauses stehende Architekt Sep Ruf. Die elegante Stahlkonstruktion besticht durch ihre nach Norden großzügig geöffnete Glasfassade. Nach Süden, zur Stadtmauer, schließt das Gebäude mit einer schlichten Massivwand ab. Auf vier Etagen werden hier derzeit noch eine der umfangreichsten Musikinstrumenten-Sammlungen Europas, Gemälde und kunsthandwerkliche Objekte des 19. Jahrhunderts, historische Textilien und die volkskundliche Dauerausstellung gezeigt.

Im Zuge der baulichen Sanierung ist eine sammlungsübergreifende Neukonzeption der Dauerausstellung vorgesehen. Die Baumaßnahmen umfassen daher auch eine Neueinrichtung der Innenräume für eine zeitgemäße museale Nutzung unter Berücksichtigung baulicher, technischer, energiewirtschaftlicher und konservatorischer Anforderungen. Teil der Planungsaufgabe ist zudem die Anbindung an angrenzende Museumsgebäude.

Die Ausstellungsfläche der zu sanierenden Gebäude umfasst ca. 5.500 m2 – aufgeteilt auf den Südbau mit rund 3.800 m2 und den Südwestbau mit rund 1.700 m2. Die Gesamtkosten der Sanierung werden momentan auf etwa 46 Mio Euro, die der Ausstellungseinrichtung auf ca. 11 Mio Euro veranschlagt. Süd- und Südwestbau stehen, wie der gesamte Bestand des Germanischen Nationalmuseums, unter Denkmalschutz und sind als Einzeldenkmale in die Denkmalliste der Stadt Nürnberg eingetragen.

David Chipperfield Architects

 

David Chipperfield Architects mit mehr als 200 Mitarbeitern wurde 1985 in London gegründet. Weitere Standorte gibt es in Berlin, Mailand und Shanghai. Das Berliner Büro, das mit der Sanierung des Germanischen Nationalmuseums beauftragt ist, gründete sich 1998, als es den Zuschlag für den Wiederaufbau des im Zweiten Weltkrieg stark zerstörten Neuen Museums auf der Museumsinsel Berlin erhielt. Seitdem hat das Berliner Büro sich einen Namen gemacht u.a. mit der 2018 fertiggestellten James-Simon-Galerie, einem Besucherzentrum mit zeitgemäßen Servicefunktionen für alle Häuser der Museumsinsel Berlin, sowie der sanierten Neuen Nationalgalerie, die im Sommer 2021 wiedereröffnen konnte. Das Büro wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, unter anderem 2011 mit dem Mies-van-der-Rohe-Preis der Europäischen Union für zeitgenössische Architektur und dem Deutschen Architekturpreis. 


Wie Weihnachten 1121 die europäische Kirchengeschichte prägte

Prämonstratensische Stifter an der Krippe, Matteus Lehner, genannt Jarwick, 1. Hälfte 17. Jahrhundert, Öl auf Leinwand, Selm-Cappenberg, Katholisches Pfarramt St. Johannes Evangelist Cappenberg, Dauerleihgabe des Klosters Duisburg-Hamborn, Foto: Bernd Kirtz.

 

(Magdeburg/pm) - Weihnachten 1121 – genau vor 900 Jahren – gründete Norbert von Xanten im französischen Prémontré den Orden der Prämonstratenser. Einen Orden, der sich in kurzer Zeit über ganz Europa ausbreitete, die europäische Kunst- und Kulturgeschichte maßgeblich beeinflusste und landschaftsprägende Bauten und Kunstwerke hinterließ. Dies ist auch den adligen Stiftern des Ordens zu verdanken, so etwa König Macarius von Armenien, König Alphons VII. von Kastilien, Graf Gottfried von Cappenberg, Gaugraf Hroznata von Ovenec, Graf Ludwig von Arnstein und Graf Focold von Berne. Ein Bild aus dem 17. Jahrhundert zeigt ein weihnachtliches Motiv in Anlehnung an das Bildschema der Heiligen Drei Könige: Die sechs Mäzene gemeinsam mit Maria um eine Krippe stehend. Wie das Tragen des schlichten Ordensgewandes verdeutlicht, hatten sie sich alle den Prämonstratensern angeschlossen. Die Wappen und Insignien, die gut sichtbar zu ihren Füßen liegen, verraten jedoch ihre adlige Herkunft.

Das Kulturhistorische Museum Magdeburg feiert noch bis zum 9. Januar 2022 das 900-jährige Bestehen des Ordens mit der großen Sonderausstellung „Mit Bibel und Spaten. 900 Jahre Prämonstratenser-Orden“. Die erste Einzelausstellung über die Prämonstratenser im deutschsprachigen Raum illustriert mit hochkarätigen Exponaten die Geschichte des Ordens sowie sein kulturelles, geistiges und wirtschaftliches Wirken – von der Entstehung im Mittelalter über die Herausforderungen durch Reformation, Säkularisation, die beiden Weltkriege und den Kommunismus bis in die Gegenwart.


Weitere Informationen zur Ausstellung finden Sie unter: www.mitbibelundspaten.de


41 auf einen Streich: MDR zeigt ab 1. Advent Märchen barrierefrei in der ARD Mediathek - Angebot in Kooperation mit Behinderten-Community weiter verbessert

 

"Drei Haselnüsse für Aschenbrödel", "Kaltes Herz" oder "Rapunzel":

Pünktlich ab dem 1. Advent nimmt der MDR sein Engagement für Barrierefreiheit und Teilhabe wieder auf und zeigt in der ARD Mediathek und im MDR-Fernsehen 41 Märchenfilme in barrierefreien Fassungen. Bereits im letzten Jahr hatte der MDR über 50 Märchenfilme für die gesamte ARD in Gebärdensprache übersetzt. Von den jetzt gezeigten Märchen sind viele neu produziert. 24 Filme bietet der MDR sogar vollbarrierefrei mit Untertiteln (UT), Gebärdenübersetzung (DGS) und Hörbeschreibung (AD) an. Bei den Neuproduktionen wurden zudem zahlreiche Wünsche aus den Behindertenverbänden und der Community berücksichtigt, um den Bedürfnissen behinderter Menschen noch besser zu entsprechen.

 

Der MDR baut seine barrierefreien Programmangebote weiter konsequent

aus: Vom 27. November bis 9. Januar 2022 werden gleich 41 Märchenfilme mit Deutscher Gebärdensprache, Untertiteln und/oder Audiodeskription in der ARD Mediathek und im MDR-Fernsehen gezeigt.

Damit unterstreicht der MDR seine Vorreiterrolle für die ARD beim Thema Inklusion und Teilhabe. Bei den Neuproduktionen barrierefreier Filmfassungenhat der MDR zudem Hinweise und Wünsche aus der Gehörlosen-Community aufgegriffen und zahlreiche Anregungen in die Produktion einfließen lassen. Das betraf beispielsweise die Zahl der Dolmetscherinnen und Dolmetscher, um fiktionale Formate optimal zu übersetzen und wie deren Einblendung ideal erfolgen kann. Zudem hat der MDR den bereits beschrittenen Weg, auch muttersprachliche Gebärdensprach-Dolmetscherinnen und -Dolmetscher einzubinden bei den Neuproduktionen konsequent fortgesetzt.

 

Barrierefreie Märchenklassiker für die ARD 

Auf Initiative des MDR werden seit 2020 zahlreiche Märchenfilme im Auftrag für die ARD-Gemeinschaft mit Deutscher Gebärdensprache ausgestattet. Für gut 60 Märchen, untern anderem filmische Klassiker wie das "Herz aus Stein", "Aladins Wunderlampe", "Drei Haselnüsse für Aschenbrödel" bis hin zur erfolgreichen TV-Reihe "Sechs auf einen Streich" hat der MDR Fassungen mit Gebärdensprache realisiert. Im November 2021 wurden weitere Märchen wie "Rapunzel oder der Zauber der Tränen" bzw. "Die Geschichte von der Gänseprinzessin und ihrem treuen Pferd Falada" mit DGS und zusätzlicher Hörbeschreibung ausgestattet.

 

Barrierefreiheit im MDR 

Mit seinen barrierefreien Angeboten ermöglicht der MDR Menschen mit Behinderung und kognitiver Einschränkung den Zugang zu seinen Programmen: 91 Prozent des MDR-Fernsehens werden untertitelt. Für fast fünf Stunden TV-Programm werden täglich Hörfassungen angeboten. Dazu kommen jährlich mehr als 32.000 Sendeminuten mit Gebärdensprache. So hatte der MDR u.a. zum 50-jährigen Jubiläum der Krimireihe "Polizeiruf 110" die Folge "An der Saale hellem Strande" in Gebärdensprache übersetzt. Zudem gibt es montags bis freitags Nachrichten in Leichter Sprache. Alle barrierefreien Angebote bündelt der MDR im Web unter:

 

mdr.de/barrierefreiheit


Hamburg feiert den fünften Geburtstag der Elbphilharmonie mit Festival und spektakulärem Licht-Kunstwerk

Foto: Maxim Schulz
Foto: Maxim Schulz

(Hamburg/ham) - Am 11. Januar 2022 feiert die Elbphilharmonie Hamburg den fünften Jahrestag ihrer Eröffnung. Zugegebenermaßen noch ein bescheidenes Jubiläum, aber Grund zum Feiern gibt es allemal: das Konzerthaus zeigt Abend für Abend, dass das Live-Erlebnis Musik in beeindruckender Architektur jede und jeden begeistern und nebenbei auch noch das Selbstverständnis einer ganzen Stadt verändern kann. Mit der Elbphilharmonie hat Hamburg die Zahl seiner Konzertbesucher verdreifacht und sich auf dem Globus als Kulturstadt etabliert. Gefeiert wird im Januar mit einem neuntägigen Festival, einem Festkonzert am fünften Geburtstag und mit einem spektakulären neuen Licht-Kunstwerk des niederländischen Künstlerduos DRIFT, das von einer viermonatigen Ausstellung im Museum für Kunst & Gewerbe begleitet wird.

Natürlich wird der fünfte Geburtstag der Elbphilharmonie Hamburg mit einem Musikprogramm in der Vielfalt und Qualität gefeiert, für die das Haus von jeher steht. Vom 9. bis 17. Januar 2022 stehen Sir Simon Rattle, Daniel Barenboim, Jordi Savall, Charles Lloyd, John Scofield und viele andere auf der Gästeliste. Dabei erklingt Zeitgenössisches von Esa-Pekka Salonen, Thomas Adès oder Jörg Widmann ebenso wie Musik von Jean Sibelius, Gustav Mahler oder Robert Schumann. Für das Geburtstagskonzert am 11. Januar mit dem NDR Elbphilharmonie Orchester unter Alan Gilbert werden Tickets verlost. Weitere Details zum Festivalprogramm unter www.elbphilharmonie.de.

Kultur beschränkt sich im Verständnis der Elbphilharmonie nicht auf Töne. Das zeigt ein Licht-Kunstwerk, mit dem das international gefragte Künstlerduo DRIFT das Konzerthaus zum Geburtstag spektakulär in Szene setzen wird. Die Werke von DRIFT verblüffen und bezaubern durch den Einsatz überraschender Lichtobjekte und ihrer Wirkungen. Die sogenannte „Immersive Art“ sucht die Trennung zwischen Betrachter und Kunstwerk aufzuheben und will mit allen Sinnen erfahrbar werden. Für das Jubiläum kündigt DRIFT eine performative Skulptur für den Außenraum an, die das Gebäude ebenso kreativ mitdenkt wie seine Umgebung und sein Innenleben: die Musik.

Begleitende Ausstellung zu DRIFT im Museum für Kunst und Gewerbe

Die Installation wird in enger Abstimmung mit dem Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MKG) realisiert, das dem niederländischen Künstlerduo eine viermonatige Einzelausstellung widmet. Mit drei spektakulären kinetischen raumfüllendenSkulpturen verwandelt „Drift: Moments of Connection“ das MKG vom 7. Januar bis 8. Mai 2022 auf 350 Quadratmetern in einen sinnlichen Erlebnisraum. Selbstleuchtende reale Löwenzahnsamen, prachtvolle Seidenblüten, die sichvoller Anmutentfalten und zurückziehen, und eine Rauminstallation, die das Verhalten von Pflanzen und Tieren nachahmt, lassen die Besuche die tiefeVerbindung des Menschen mit der Natur erfahren.

Festival, Lichtkunst und weitere spannende Kulturerlebnisse im Januar

Das Lichtkunstwerk an der Elbphilharmonie und die Drift-Ausstellung im Museum für Kunst und Gewerbe sind nicht die einzigen Highlights, die rund um das Jubiläum und das darauffolgende Wochenende zum Entdecken und Erleben der Kulturstadt Hamburg einladen. Sie werden ergänzt durch das vielfältige Kultur-Angebot der Hansestadt, das von Ausstellungen wie Tom Sachs‘ „Space Program“ in den Deichtorhallen, einer Emil Nolde Ausstellung im Bucerius Kunstforum („Nolde und der Norden“) oder der Gegenüberstellung von Kunstwerken niederländischer Meister mit Werken des Schauspielers Lars Eidinger und Stefan Marx zum Theme „Klasse.Gesellschaft“ in der Hamburger Kunsthalle bis zu Live-Kultur auf den zahlreichen Theater-, Musical- oder Operbühnen reicht.

Fünf Jahre Elbphilharmonie – ein Millionenpublikum für die Musik

In der kurzen Zeit ihres Bestehens hat die Elbphilharmonie alle an sie gestellten Erwartungen haushoch übertroffen: Qualität und Vielfalt des Programms sind international ohne Vergleich. Zudem erfährt das einzigartige Gebäude weltweit so viel Aufmerksamkeit wie kein anderer Kultur-Neubau in den letzten Jahren. Die deutlichste Sprache sprechen die rund 2,7 Millionen Konzertbesucher, die in beiden Sälen der Elbphilharmonie von der Eröffnung bis zum Corona-Stillstand im März 2020 über 2.500 begeisternde Konzerte erlebten. Mit 1,25 Millionen Besuchern pro Jahr in Elbphilharmonie und Laeiszhalle hat sich das Konzertpublikum in Hamburg verdreifacht. Die Abonnentenzahlen konnten sogar vervierfacht werden. Die „Plaza“ genannte Aussichtsplattform auf der achten Etage mit 360-Grad-Rundumblick erwartet im März 2022 bereits ihren 15 Millionsten Besucher. Damit stellt die Elbphilharmonie selbst deutsche Top-Destinationen wie Schloss Neuschwanstein in den Schatten. Seit Sommer 2021 kann das Konzerthaus wieder an den gewohnten Standard exzellent programmierter Konzerte mit Top-Interpreten im Tagesrhythmus anknüpfen.

Fünf Jahre Elbphilharmonie stehen auch für die Entwicklung eines neuen Selbstverständnisses in der Kulturstadt Hamburg. Kultur hat in Hamburg eine lange Tradition − mit der Eröffnung der Elbphilharmonie hat sie einen Leuchtturm gefunden, der ihre Vielfalt über die Grenzen der Hansestadt hinaus erstrahlen lässt. Als Symbol steht die Elbphilharmonie für die Besonderheiten der Hamburger Kulturlandschaft: Offen für alle, Kontraste vereinend, Verbindungen schaffend. Genreübergreifende Kooperationen der Hamburger Szene und vielfältige Festivals sorgen dafür, dass die Kultur in Hamburg allgegenwärtig ist und in immer neuen, überraschenden Facetten erlebt werden kann.

Konzertpakete zum fünften Geburtstag der Elbphilharmonie ab 219 Euro

Wer im Januar mit Hamburg den fünften Geburtstag der Elbphilharmonie mitfeiern möchte, bucht am besten eines der Packages, die die Hamburg Tourismus GmbH exklusiv zum Jubiläumsfestival anbietet. Am 15. Januar kann Daniel Barenboim mit der Staatskapelle Berlin ab 219 Euro erlebt werden, einen Tag vorher tritt am 14. Sir Simon Rattle mit dem London Symphony Orchestra auf (ab 289 Euro). Die Pakete enthalten jeweils ein Konzertticket, eine Hotelübernachtung mit Frühstück (Zusatznächte buchbar) sowie eine Hamburg CARD (3 Tage), dem Entdeckerticket für freie Fahrt mit Bus und Bahn. Buchbar telefonisch unter (+49) 40 300 51 701 oder online unter www.hamburg-tourism.de/sehen-erleben/sehenswuerdigkeiten/elbphilharmonie/konzerte. Dort finden sich auch weitere attraktive Hamburg-Angebote für den Januar.     

 

 

 

 

 

Mehr Hamburg:

Viele weitere Hamburg-Tipps zum Download oder direkt aus dem Web unter folgenden Links:

 


19.11.2021 – 9.01.2022

Das Global Art Festival im Germanischen Nationalmuseum

Abb.: Viron Erol Vert: Abraham 1, 2014 Foto: GNM, Daniel Karmann
Abb.: Viron Erol Vert: Abraham 1, 2014 Foto: GNM, Daniel Karmann

(Nürnberg/gnm) - Ein goldglänzendes Flugobjekt, rhythmische Voodoo-Klänge und ein Wal aus Jeansstoff: Erstmals findet das Global Art Festival in diesem Winter im Germanischen Nationalmuseum in Nürnberg statt. Ab Freitag, 19. November 2021 präsentieren mehr als 50 zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler sieben Wochen lang ihre Werke im Kontext der historischen Sammlung. Kunstobjekte, Video- und Klanginstallationen werden temporär in den Dauerausstellungsräumen aufgebaut und treten dort in einen spannungsvollen, mitunter auch provokativen Dialog mit den Exponaten. Performances und interaktive Angebote runden das Programm ab. Beteiligt sind regionale, nationale und internationale Kunstschaffende, die mit ihren Arbeiten auf Werke aus den Museumsbeständen und den Ort Nürnberg reagieren – wie Henrike Naumann, Natasha A. Kelly, Jan St. Werner und Viron Erol Vert.

Informationen zu allen beteiligten Künstlern und ihren Arbeiten sowie dem Begleitprogramm unter globalartfestival.de


Guggenheim Museum Bilbao

Sharon Lockhart. Rotation Notation

Foto: Guggenheim Museum Bilbao
Foto: Guggenheim Museum Bilbao

 

 

  • From November 4, 2021 to February 27, 2022
  • Curated by Manuel Cirauqui
  • Film & Video Gallery (103)

 

(Bilbao/pr) - From November 4, 2021 to February 27, 2022, the Guggenheim Museum Bilbao will be running Sharon Lockhart. Rotation Notation, the third and last exhibition of 2021 in the Film & Video Gallery, a Museum space devoted to showing fundamental works of video and moving image art, and sound and video installations.

 

This exhibition shows a video installation and photographs by Sharon Lockhart (b. 1964, Norwood, USA) based on her encounter with the works of Israeli choreographer Noa Eshkol (b. 1924, Degania Bet kibbutz–d. 2007, Holon, Israel) soon after Eshkol died. Lockhart’s discovery of Eshkol’s works led her to further her formal exploration of human motion and expand the collaborative dimension of her work through her engagement with the choreographer’s manifold and largely communally-enacted practice.

 

 

The works of Lockhart pay particular attention to human activity and its modes of organization, be it social or solitary. Ranging from labor to sport, and from child’s play to choreography, Lockhart’s films specifically confront the complexity and poetic depth of seemingly simple movements. Tight and disarming, her works are exercises in observation where the world’s existence turns palpable in the very fact of its being documented. As the stillness of the lens emphasizes the modern aspiration to technical objectivity, situations are presented as though they were recording themselves.


Imagine Dragons: Mercury World Tour 2022

Foto: Eric Ray Davidson
Foto: Eric Ray Davidson

 

(Frankfurt/livenation) - Zur Feier der Veröffentlichung ihres neuesten Albums „Mercury – Act 1“ kündigen die Multi-Platin ausgezeichneten Grammy-Gewinner Imagine Dragons ihre Mercury World Tour 2022 an. Die von Live Nation produzierte Europatournee startet am 30. Mai in Prag mit weiteren Stationen in Moskau, Mailand, Hannover, Berlin und vielen mehr, ehe sie am 14. Juli im Sparkassenpark in Mönchengladbach ihren Abschluss findet. Karten für die drei Deutschlandkonzerte sind ab 5. November 2021 im allgemeinen Vorverkauf erhältlich.

 

Daneben wird die Band aus Las Vegas im Sommer 2022 bei einigen der kultigsten Festivals Europas auftreten, einschließlich I-Days, Rock Werchter, Pinkpop und dem Lollapalooza Paris.

Mit weltweit 46 Millionen verkauften Alben, 55 Millionen Songs sowie insgesamt 74 Milliarden Streams zählen die Imagine Dragons zu den umsatzstärksten Rockbands. Die Billboard Top-3-Rocksongs des Jahrzehnts – „Believer“, „Thunder“ und „Radioactive“ – stammen von dieser Band. 

 

Nach ihrer Gründung veröffentlichten Imagine Dragons zunächst einige EPs in Eigenregie, bevor sie mit der EP „Continued Silence“ 2012 ihr Major Label-Debüt bei KIDinaKORNER/Interscope feierten. Schnell folgte das erste Album „Night Visions“, noch im selben Jahr, und erreichte sofort Platz 2 der Billboard 200. Die Single „Radioactive“ aus dem Debütalbum eroberte die Spitze der Billboard Hot Rock Songs-Charts, gewann einen GRAMMY in der Kategorie ‚Best Rock Performance‘ und erlangte RIAA (Recording Industry Association of America) Diamant-Status. Auch die Nachfolgealben „Smoke + Mirrors“ (2015), „Evolve“ (2017) sowie „Origins“ (2018) erreichten global hohe Chart-Platzierungen.

 

Das im September 2021 veröffentlichte fünfte Studioalbum „Mercury – Act 1“ entstand in Zusammenarbeit mit dem renommierten Produzenten Rick Rubin. Inspiriert durch das Wort „mercurial“, zu deutsch „launenhaft“, entstand „Mercury – Act 1“ als unverblümtes Album, das auf metaphorisch belastete Texte verzichtet und stattdessen emotionale Extreme willkommen heißt und sich bei nichts zurückhält. Es ist der erste Langspieler der Imagine Dragons seit „Origins“ aus dem Jahr 2018.

 

Im Rahmen der Mercury World Tour im Sommer nächsten Jahres präsentieren die Imagine Dragons neben neuer Musik natürlich auch etliche ihrer bekannten Hits. In Deutschland sind sie dreimal live zu erleben: am 14. Juni in Hannover, am 5. Juli in Berlin und am 14. Juli in Mönchengladbach.

 

Live Nation Presents
IMAGINE DRAGONS
Mercury World Tour

Di.      14.06.2022     Hannover                 Expo Plaza
Di.      05.07.2022     Berlin                       Waldbühne
Do.     14.07.2022     Mönchengladbach  SparkassenPark

 

PayPal Prio Tickets:
Mi., 03.11.2021, 10:00 Uhr (Online-Presale, 48 Stunden)
www.livenation.de/paypalpriotickets

 

Samsung Prio Tickets:
Mi., 03.11.2021, 10:00 Uhr (Online-Presale, 48 Stunden)
www.samsung.com/de/members/priotickets

 

MagentaMusik Prio Tickets in Kooperation mit Samsung:
Mi., 03.11.2021, 10:00 Uhr (Online-Presale, 48 Stunden)
www.magenta-musik-360.de/prio-tickets

 

Ticketmaster Presale:
Do., 04.11.2021, 10:00 Uhr (Online-Presale, 24 Stunden)
www.ticketmaster.de/feature/presale/ 

Allgemeiner Vorverkaufsstart:
Fr., 05.11.2021, 10:00 Uhr
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Mozartstadt Augsburg präsentiert sechs Film-Dokus

Mozartstadt Augsburg präsentiert sechs Film-Dokus
Mozartstadt Augsburg präsentiert sechs Film-Dokus

 

Porträts zum Thema „Mozarts Europa – Europas Mozart“ mit Ian Bostridge, Roberta Mameli, Alexandre Tharaud, Václav Luks und Collegium 1704, Akademie für Alte Musik Berlin, Maximilian Hornung und Sarah Christian sind jetzt komplett, online auf mozartstadt.de kostenfrei zugänglich.

 

Was wäre Europa ohne Mozart? Und was wäre Mozart ohne Europa? Gut 250 Jahre nachdem Leopold Mozart mit seinen zwei Wunderkindern den Kontinent bereiste, folgt das Mozartbüro Augsburg samt Filmteam diesen Spuren. In der Begegnung mit herausragenden Künstlerinnen, Künstlern und Ensemble an ihren jeweiligen Heimatorten verweben sie das Heute mit Historie zu einem entdeckungsreichen Panorama. Die Crew um die Berliner Kulturjournalistin Sylvie Kürsten, die Kölner Dramaturgin Catherine Schumann und die Augsburger Agentur YEAH drehte im Sommer 2021 an besonderen Schauplätzen. Etwa in Berlin auf einem originalen Spree[1]Grenzboot der DDR mit Akamus-Konzertmeister Bernhard Forck. Das Team begleitete auch Václav Luks und das Collegium 1704 zum Festival „Smetanova“ von Prag ins ostböhmische Litomyšl, Alexandre Tharaud in die königliche Oper im Schloss von Versailles, Ian Bostridge in die Vauxhall Gardens in London, Roberta Mameli in das Archiv der Künstlerin Rachele Bianchi (1925-2018) in Mailand und Maximilian Hornung und Sarah Christian zum Burger-Grillen in die Augsburger Fuggerei. Die etwa zehnminütigen Filme sind sowohl persönliche Porträts als auch Mozart-Biopic und Geschichts-Doku. Wie blicken die Protagonist*innen auf Europa und seine Geschichte? Wie auf Mozart? Inwiefern ist Musik politisch? Kann Musik Grenzen überwinden? Was bedeutet Heimat für Musiker*innen, die in der ganzen Welt unterwegs sind? Und in welchem Europa waren eigentlich seinerzeit die Mozarts unterwegs?

 

Die Porträtierten waren im Oktober 2021 Gäste beim Mozartfest Augsburg mit dem gleichnamigen Titel „Mozarts Europa – Europas Mozart“. Jürgen Enninger, Kulturreferent der Stadt Augsburg, würdigt das Programm und seine europäische Dimension: „Das Mozartfest hat die unendliche Bandbreite an Interpretationsformen und Besetzungen auf höchstem internationalen Niveau sichtbar werden lassen. Viel wichtiger allerdings: Es hat das kulturelle Herz Europas spürbar werden lassen und dies insbesondere über die filmischen Interviews. Ein Herzschlag, der unsere Stadt begeistert und in den Bann zieht.“

 

Das nächste Mozartfest Augsburg findet wieder wie traditionell üblich im Frühsommer statt (9. April und 5.-28. Mai 2022) und trägt dann die Überschrift „STATE OF THE ART“. Als Gäste werden Anne Sofie von Otter, Cameron Carpenter u.a. erwartet.

 

Alle Filme gibt es hier: www.mozartstadt.de/filme  

 

Übersicht der Filme:

 

Collegium 1704 und Václav Luks (Prag und Litomyšl)

Über Mozarts Europa, seine Freundschaft zum fast vergessenen Zeitgenossen Mysliveček, seine Liebe zu Prag, die EU-Osterweiterung und die kontinuierliche Weiterentwicklung der Alten Musik u. a.

 

Alexandre Tharaud (Paris)

Über die Magie historischer Konzertsäle, die Beziehung von Musiker*innen zu ihrem Instrument, den Zusammenhang von Kunst und Politik sowie Mozart als Katalysator Europas u. a.

 

Roberta Mameli (Mailand)

Über Mozarts Anfänge als Opernkomponist, große Frauen und ihr Einfluss auf die (Kultur-)Politik seit Mozarts Zeiten, Italien als Kulturland, Geschlechtergerechtigkeit in der Kunst u. a. Als Gast: die Schauspielerin, Autorin und Aktivistin Cinzia Spanò.

 

Ian Bostridge (London)

Über höflichen Umgang von der Aufklärung bis ins Twitter-Zeitalter, einen Park als Experimentierfeld der Demokratie und die Frage „Qua vadis, Europa?“ u. a.

 

Akademie für Alte Musik Berlin (Berlin):

Bernhard Forck, Konzertmeister, Ernst-Burghard Hilse, Gründungsmitglied, Flötist und Manager von, Xenia Löffler, Solo-Oboistin. Ostberlins erstes Barockorchester über die Fähigkeit der Musik, Freiräume auszuloten und Grenzen zu verschieben u. a.

 

Sarah Christian und Maximilian Hornung (Augsburg)

Sarah Christian, Geigerin, Maximilian Hornung, Cellist. Beide stammen aus Musikerfamilien, und werden gerne als Wunderkinder bezeichnet. Über den Charme der Augsburger*innen und Musik als Schule der Toleranz u. a. 3 Mozartfest Augsburg – Mozartbüro im Kulturamt der Stadt Augsburg |

 

 

Das Filmprojekt wurde entwickelt im Rahmen von „dive in. Programm für digitale Interaktionen“ der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR


27. NOVEMBER 2021 – 24. APRIL 2022: Deichtorhallen Hamburg in der Sammlung Falckenberg

TOMI UNGERER – IT'S ALL ABOUT FREEDOM

Tomi Ungerer: Untitled, 2013 © Tomi Ungerer Estate/Diogenes Verlag AG, Zürich
Tomi Ungerer: Untitled, 2013 © Tomi Ungerer Estate/Diogenes Verlag AG, Zürich

TOMI UNGERER

IT'S ALL ABOUT FREEDOM

27. NOVEMBER 2021 – 24. APRIL 2022

SAMMLUNG FALCKENBERG

 

Tomi Ungerer (1931–2019) gilt als einer der einflussreichsten Zeichner, Illustratoren und Kinderbuchautoren. Publikationen wie Die drei Räuber, Heute hier, morgen fort und Der Nebelmann machten ihn weltberühmt. Darüber hinaus schuf Ungerer Plakate gegen den Vietnam-Krieg und Rassenkonflikte, unternahm Milieustudien in der Hamburger Herbertstraße, verarbeitete zeichnerisch kriegstraumatische Erinnerungen oder erstellte Großcollagen im Spätwerk.

In der großen Ausstellung TOMI UNGERER – IT’S ALL ABOUT FREEDOM zeigen die Deichtorhallen Hamburg in der Sammlung Falckenberg in Zusammenarbeit mit dem Tomi Ungerer Estate und dem Musée Tomi Ungerer in Straßburg erstmals einen umfassenden Querschnitt durch neun Jahrzehnte seines künstlerischen Schaffens – von Zeichnungen aus den 1930er-Jahren bis hin zu Objekten aus den 2010er-Jahren. Die Ausstellung, die zum 90. Geburtstag von Tomi Ungerer eröffnet wird, präsentiert knapp 400 Exponate und wirft ein neues Licht auf Ungerers Werk, indem sie die politischen und stilistischen Linien und Brüche in seiner künstlerischen Dimension nachvollziehbar macht. Mit zahlreichen unveröffentlichten Arbeiten sensibilisiert sie zudem für die künstlerische Dimension seines umfangreichen Werkes, das etwa Bezüge zu Otto Dix, Lyonel Feininger und John Heartfield, aber auch zu Martin Kippenberger und Martha Rosler aufweist.

In Ungerers Werken sind die Grenzen zwischen angewandter. Illustrierender und freier Kunst gleichsam aufgehoben: Sich zwischen Zeichnung, Collage und Assemblage bewegend, zeigt sich Ungerer als »free-wheeling artist«, der seiner Suche nach der Condition humaine nachgeht. In der Ausstellung wird dies nicht zuletzt durch Filme mit und über Tomi Ungerer dokumentiert.

Ein thematischer Strang der Ausstellung in der Sammlung Falckenberg spürt den Verbindungen zwischen Motiven aus Ungerers Kinderbüchern und Motiven aus seinen gesellschaftspolitischen sowie biographischen Büchern nach. Gezeigt werden außerdem unveröffentlichte Werke und Werkgruppen aus dem Frühwerk als auch Vorstudien für Bücher oder Beobachtungen aus seiner Zeit in den USA, Kanada und Südirland. Der Großteil der Werke stammt aus dem Tomi Ungerer Estate in Cork, Irland und wird durch eine umfassende Auswahl aus dem Musée Tomi Ungerer-Centre international de l’Illustration sowie zusätzliche Leihgaben aus Galerien und Privatbesitz ergänzt. Ein speziell für Kinder eingerichteter Raum präsentiert die zeichnerische Erzählwelt der Kinderbücher Ungerers. Darüber hinaus sind Filme mit und über Tomi Ungerer in der Ausstellung zu sehen. Der unmittelbare Bezug zur Sammlung Falckenberg wird in der Ausstellung mit ausgewählten Exponaten aus der Sammlung eindrucksvoll veranschaulicht.

 

Das Werk Ungerers ist stark von den politischen Ereignissen seiner Zeit beeinflusst. In der Besatzungszeit nach dem Zweiten Weltkrieg erlebte Ungerer die gegenseitigen Sprachverbote der deutschen und französischen Regierung in Straßburg. In der Grenzregion aufgewachsen verlor Ungerer seine kulturelle und gesellschaftliche Zugehörigkeit. Dieser Verlust der kulturellen Identität prägte Tomi Ungerer sein ganzes Leben. 1956 ging er nach New York, wo er unter anderem Plakate für die New York Times gestaltete. In Underground Sketchbook (1964) und The Party (1966) karikierte er die amerikanische Gesellschaft, seine Plakatillustrationen thematisierten den Vietnam-Krieg und den alltäglichen Rassismus. Ungerers Gesellschaftskritik stieß jedoch auf wenig Akzeptanz und veranlasste ihn, mit seiner Familie nach Kanada zu ziehen. Die politischen Verhältnisse, der Schwermut und der langsame Verfall Neuschottlands, von denen sich Ungerer umgeben sah, spiegeln sich unter anderem in seinem später erschienenen Buch Slow Agony (1983) wider. 1976 siedelte er mit seiner Frau Yvonne Wright und den gemeinsamen Kindern auf eine Farm nach Südirland um, wo er – unterbrochen von einem mehrmonatigen Rechercheaufenthalt zu seinem Buch Schutzengel der Hölle (1986) in den Achtzigerjahren in Hamburg – bis zu seinem Tod lebte und arbeitete.

 

ÜBER TOMI UNGERER (1931–2019)

Tomi Ungerer, 1931 in Straßburg geboren und 2019 im irischen Cork gestorben, lebte und arbeitete von 1956 bis 1971 in New York und verbrachte dann einige Jahre in Nova Scotia, Kanada. Seine Arbeiten wurden in vielen Einzelausstellungen gezeigt, u.a. im Museum Folkwang, Essen (2016), Kunsthaus Zürich (2015), Museum Wilhelm Busch, Hannover (2014), Caricatura Museum für Komische Kunst, Frankfurt (2012), Kunsthalle Würth, Schwäbisch Hall (2010), Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg (1999) und Deutsches Historisches Museum, Berlin (1999)

 

 



 

„Unsichtbar in der großen Stadt“ von Sydney Smith und „100 Kinder“ von Christoph Drösser und Nora Coenenberg gewinnen den Deutschen Jugendliteraturpreis 2021 in den Kategorien Bilderbuch und Sachbuch

 

 

(Stuttgart/Nidda/ga) - Wir freuen uns mit den Kollegen des Thienemann-Esslinger Verlags, dass das Werk von Sydney Smith in der Übersetzung von Bernadette Ott: „Unsichtbar in der großen Stadt“ (Aladin) und die Originalentwicklung „100 Kinder“ von Christoph Drösser und Nora Coenenberg (Gabriel) mit dem Deutschen Jugendliteraturpreis 2021 ausgezeichnet wurden. Der mit jeweils 10.000 Euro dotierte Preis wurde am Freitag, den 22.10.2021 im Rahmen der Frankfurter Buchmesse verliehen.

 

Sydney Smith: Unsichtbar in der großen Stadt

 

Allein in der großen Stadt zu sein, ist manchmal unheimlich. Besonders, wenn man klein ist und alles um einen herum so laut und riesengroß. Da ist es gut, wenn es jemanden gibt, der die besten Geheimverstecke kennt, zum Beispiel unterm Haselstrauch oder hoch oben im Walnussbaum.

 

In der Jurybegründung heißt es:

 

„Sydney Smith hat ein Meisterwerk der Bilderbuchkunst geschaffen, zum ersten Mal als Autor und Illustrator. Virtuos nutzt er eine Fülle an Gestaltungsmöglichkeiten. Kaleidoskopartig spiegeln die Bildformate die vielen Eindrücke. Pinselstrich und pointiert eingesetzte Farbigkeit inmitten von Weiß, Schwarz und Grauschattierungen schaffen eine Atmosphäre, die man mit allen Sinnen wahrzunehmen scheint. Manche Andeutung versteht man erst Seiten später, blättert zurück, wird zum wiederholten Anschauen angeregt. Ein ermutigendes Bilderbuch – es zeigt auf künstlerisch beeindruckendem Niveau, dass Kinder auch in schwierigen Situationen selbständig und zuversichtlich denken und handeln können.“

 

Hans ten Doornkaat schrieb in der NZZ am Sonntag: „Genial filmisch erzählen die Bilder, subtil gibt die Tonspur nach und nach den Zweck des Suchens preis. Kunstvoll komponiert, souverän gemalt und doch eine Geschichte, die ans Herz geht.“

 

Das Bilderbuch wurde 2020 unter anderem bereits mit dem LUCHS des Monats im Dezember ausgezeichnet, der von der ZEIT und Radio Bremen vergeben wird.

 

 

Sydney Smith zeichnet seit früher Kindheit, die er in Nova Scotia in Kanada verbracht hat. Seit seinem Uniabschluss hat er zahlreiche Kinderbücher illustriert und erhielt für »Überall Blumen« die Auszeichnung »New York Times Best Illustrated Children‘s Book«; das von ihm illustrierte Bilderbuch »Stadt am Meer« war im Jahr 2019 für den Deutschen Jugendliteraturpreis nominiert. Er lebt mit seiner Familie in Halifax, Nova Scotia.

 

 

Sydney Smith: Unsichtbar in der großen Stadt

Aus dem kanadischen Englisch von Bernadette Ott

Bilderbuch ab 4, 48 Seiten, ISBN: 978-3-8489-0176-0, EUR 18,00, Stuttgart: Aladin 2020.

 

Christoph Drösser & Nora Coenenberg: 100 Kinder

 

Verblüffend, wie die Welt aussieht, wenn wir das Leben von 100 Kindern betrachten, die für die zwei Milliarden Kinder auf der Erde stehen. Ihr Alltag auf verschiedenen Kontinenten, in unterschiedlichen Religionen, fremden Ländern und Kulturen wird anhand statistischer Zahlen für Kinder verständlich erklärt und im Infografik-Stil anschaulich bebildert.

 

In der Jurybegründung heißt es:

 

„Stellvertretend für die rund zwei Milliarden Kinderleben weltweit stehen hier die titelgebenden 100 Kinder: 52 Jungen und 48 Mädchen. Von ihnen leben nur sechs in Europa, vier in Nordamerika, acht in Südamerika, ein einziges in Australien, aber 25 in Afrika und 56 in Asien. Ausgehend von dieser Standortbestimmung entwirft das Buch in einer klug abgestimmten Kombination aus Texten, Illustrationen und Infografiken ein umfangreiches Tableau an gesellschaftlichen, politischen und kulturellen Aspekten, zeigt Diversität, benennt Unterschiede und Gemeinsamkeiten, spricht Probleme und Ungerechtigkeiten an, weiß Erstaunliches und Kurioses zu berichten. Sachlich, unaufgeregt und verständlich regt es zum Nachdenken an, lässt staunen und macht neugierig auf die Welt und ihre Kinder.“

 

Miriam Opresnik urteilte im Hamburger Abendblatt: „Das alles ist so lebendig aufgeschrieben, dass man '100 Kinder' gar nicht als Sachbuch bezeichnen mag. Weil das viel zu trocken dafür klingt, was dieses Buch ist: Eine spannende Entdeckungsreise durch die Lebenswelt von Kindern."

 

„100 Kinder“ wurde unter anderem bereits als Buch des Monats März 2020 von der Deutschen Akademie für Kinder- und Jugendliteratur Volkach ausgezeichnet.

 

 

Christoph Drösser lebt als freier Journalist und Autor in San Francisco (USA). Davor war er 18 Jahre lang bei der Wochenzeitung DIE ZEIT Redakteur im Ressort Wissen. Dort schuf er unter anderem die Kolumne "Stimmt's?“, in der er Fragen seiner Leser nach Alltagsphänomenen beantwortet. Christoph Drösser hat 20 Bücher veröffentlicht, darunter auch zwei Kinderbücher zu Wissensthemen.

 

 

Nora Coenenberg ist Illustratorin, Infografikerin und Editorial Designerin und wohnt in Hamburg. Seit 2012 gehört sie zum Team von DIE ZEIT und konzipiert hier u.a. die wöchentliche Infografikseite. Neben dieser Tätigkeit gestaltet sie gern alles, worin Zahlen vorkommen, zum Beispiel Geschäftsberichte und Kindersachbücher. Außerdem unterrichtet sie, berät andere Künstler bei der Gestaltung ihres Portfolios und hält Vorträge zum Thema Grafikdesign.

 

  

Christoph Drösser: 100 Kinder

Mit Illustrationen von Nora Coenenberg

Sachbuch ab 8, 104 Seiten, ISBN: 978-3-522-30537-2, EUR 14,00, Stuttgart: Gabriel 2020.


Guggenheim Museum Bilbao

Women in Abstraction

Mujeres de la abstracción. Foto: Guggenheim Museum Bilbao
Mujeres de la abstracción. Foto: Guggenheim Museum Bilbao
  • Dates: October 22, 2021 – February 27, 2022
  • Curators: Christine Macel, Chief Curator at the Centre Pompidou; Karolina Lewandowska, Curator of Photography and Director of the Museum of Warsaw, in collaboration with Lekha Hileman Waitoller, Curator of the Guggenheim Museum Bilbao
  • Exhibition organized by the Centre Pompidou Paris in collaboration with the Guggenheim Museum Bilbao.
  • Sponsored by: Fundación BBVA

 

-       Women in Abstraction sets out to write the history of the contributions made by female artists to abstraction in the 20th century, through to about the 1980s, with a few incursions into the 19th century.

-       In accordance with the terms chosen for the title, the artists are presented here as players and cocreators in their own right, of modernism and its legacy.

-       The exhibition reveals the process of invisibilization that marked the work of these female artists, while still presenting their positions, with all their complexities and paradoxes. Many of these artists adopted a non-gendered identity while others laid claim to a “female” art.

-       This history aims to be open, embracing dance, the decorative arts, photography and film. The perspective is also intended to be comprehensive, including the modernities of Latin America, the Middle East and Asia, while not forgetting African American women artists and Spanish artists, some of whom have not had international recognition, in order to recount a multi-voiced history and reach beyond the western canon.

 

The Guggenheim Museum Bilbao presents Women in Abstraction, an exhibition sponsored by the BBVA Foundation that shares a new vision of the history of abstraction from its origins to the 1980s through the works of more than one hundred female artists that span visual arts, dance, photography, film, and decorative arts. Through a chronological analysis, the exhibit highlights the processes that led to the invisibility of female artists and points out some of the milestones that marked the history of abstraction, while questioning esthetic canons, without defining a new one.


TV-Kritiker aus aller Welt wählen The Wire auf den ersten Platz

BBC Culture benennt die 100 besten Fernsehserien des 21. Jahrhunderts

  #TVOfTheCentury

 

(London/BBC Culture/BBC.com)  – BBC Culture – das Kulturportal von BBC.com hat seine Liste der 100 größten TV-Serien des 21.Jahrhunderts veröffentlicht. 206 Kritiker, Wissenschaftler und Branchenexperten aus der ganzen Welt haben an der Umfrage teilgenommen, die damit die größte und internationalste Umfrage unter Experten zu diesem Thema ist.

 Den Spitzenplatz konnte The Wire (2002-08) für sich verbuchen, nahezu ein Viertel (23 Prozent) aller Befragten listete die Serie auf den ersten Platz, sie wurde als die bis dato größte TV-Serie des 21.Jahrhunderts eingestuft, fast 48 Prozent gaben ihr eine Einstufung unter ihren Top 10.

 

 Die 10 besten Fernsehsendungen aus der Liste sind unten aufgeführt. Die vollständige Liste ist hier zu finden: https://www.bbc.com/culture/article/20211015-the-100-greatest-tv-series-of-the-21st-century

 The Wire (2002-2008) 

  1. Mad Men (2007-2015)
  2. Breaking Bad (2008-2013)
  3. Fleabag (2016-2019) – die bestbewertete Serie einer Frau
  4. Game of Thrones (2011-2019)
  5. I May Destroy You (2020) – Die neueste Serie in den Top 10
  6. The Leftovers (2014-2017) – Showrunner Damon Lindelof ist der erfolgreichste in der Umfrage, mit drei Serien unter den Top-30 
  7. The Americans (2013-2018)
  8. The Office (UK) (2001-2003)
  9. Succession (2018-)

 Die Befragten kamen aus 43 Ländern, darunter Albanien, Kolumbien, Israel, Nigeria, Südkorea und Trinidad sowie Tobago, und sprachen insgesamt 35 Sprachen. Die Umfrage war auch geschlechtsspezifisch ausgewogen: 100 der 206 Kritiker bezeichneten sich als weiblich (49 %), 104 als männlich (50 %) und 2 als nicht-binär (1 %).

 Der BBC-Kulturjournalist Hugh Montgomery sagte: “Wir freuen uns, die weltweite Kritikerumfrage von BBC Culture zu den 100 besten Fernsehserien des 21. Jahrhunderts zu präsentieren, die umfassendste Umfrage ihrer Art. Wir haben uns über die große Resonanz sehr gefreut und hoffen, dass diese Liste Diskussionen auslöst und dazu anregt, sich viele der wunderbaren Serien anzusehen, die dazu beigetragen haben, das Fernsehen zu einer der wichtigsten Kunstformen des neuen Jahrtausends zu machen.”

 

 Die Analyse zeigt, dass Englisch die beliebteste Sprache in den Top 100 ist, da es die Hauptsprache von 92 Serien ist, aber es gibt auch Sendungen in Dänisch, Französisch, Deutsch, Spanisch und Schwedisch. 79 Serien in den Top 100 wurden von Männern, elf von Frauen und zehn von einer Kombination aus Männern und Frauen geschaffen. 67 Dramen schafften es in die Top 100 und 30 Komödien (außerdem sind zwei Dokumentarserien und eine Reality-TV-Show in der Liste enthalten).

 Auf BBC Culture finden Sie die vollständige Liste der Kritikerabstimmung sowie Beiträge darüber, warum “The Wire” auf den ersten Platz gewählt wurde, warum I May Destroy You” die Zukunft des Fernsehens ist, wie sich die Art und Weise, wie wir fernsehen verändert hat und 25 Serien, die das 21. Jahrhundert repräsentieren.Weitere Beiträge über das Fernsehen im 21. Jahrhundert werden in den kommenden Wochen erscheinen.

 

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 Dies ist die erste Fernsehkritikerumfrage von BBC Culture - zuvor hat BBC Culture bereits jährliche Umfragen von Filmkritikern veröffentlicht, darunter die hundert besten Filme von weiblichen Regisseurendie hundert besten nicht-englischsprachigen Filme,die hundert besten Komödien aller Zeiten, und die größten Filme des 21.Jahrhunderts.

 

 BBC.com ist die globale digitale Nachrichtenplattform der BBC Studios, die jeden Monat mehr als 139 Millionen Nutzern auf PCs, Tablets und mobilen Geräten aktuelle internationale Nachrichten, ausführliche Analysen und Features wie BBC Worklife, BBC Culture, BBC Future, BBC Travel und BBC Reel bietet.  BBC World News ist weltweit in mehr als 200 Ländern und Territorien sowie in über 450 Millionen Haushalten und 3 Millionen Hotelzimmern zu empfangen. Der Sender ist auch auf über 180 Kreuzfahrtschiffen und bei 53 Fluggesellschaften verfügbar, darunter 13, die den Sender live an Bord übertragen.


Jubiläumsprojekt erhält den OPUS KLASSIK in der Kategorie „Sonderpreis für Publikums- & Partizipationsprojekte“

Opus Klassik in Würzburg angekommen!

Gewinner Fotoshooting 100 für 100 OPUS KLASSIK (c) Dita Vollmond
Gewinner Fotoshooting 100 für 100 OPUS KLASSIK (c) Dita Vollmond

(Würzburg/pm) - Das Mozartfest Würzburg erhielt für das Bürgerprojekt „100 für 100“ den OPUS KLASSIK in der Kategorie Publikums- und Partizipationsprojekte. Die Preisverleihung fand am 10. Oktober 2021 im feierlichen Rahmen einer Galaveranstaltung in Berlin statt und wurde für ein breites Publikum im ZDF übertragen. Mit dieser wichtigen Auszeichnung wird die Jubiläumssaison der Hundertjahrfeier des Mozartfestes Würzburg 2021 höchst erfolgreich gekrönt und den vielen Akteuren einer ganzen Stadtgesellschaft ein großes Kompliment ausgesprochen: Für ihr leidenschaftliches Engagement für die Gemeinschaft und die Auseinandersetzung mit Mozart.

 

Am gestrigen Donnerstag hat das Mozartfest alle Projektteilnehmer in den Hofgarten der Würzburger Residenz eingeladen. Jedes einzelne Projekt erhielt hier eine eigene OPUS KLASSIK-Gewinnerurkunde. Gefördert wurde „100 für 100“ und die zahlreichen Einzelinitiativen unter anderem durch den Freundeskreis Mozartfest Würzburg e.V., die Sparkasse Mainfranken Würzburg und die Bayerische Sparkassenstiftung.


Kronacher Kunstverein: Neue Sichtweisen auf Zeit und Raum

Lux Serpentinata ist der Titel eines Lichtobjekts, das die Berliner Künstlerin Susanne Rottenbacher aktuell im Kronacher Kunstverein zeigt. Foto: Sabine Raithel
Lux Serpentinata ist der Titel eines Lichtobjekts, das die Berliner Künstlerin Susanne Rottenbacher aktuell im Kronacher Kunstverein zeigt. Foto: Sabine Raithel

 

(Kronach/pm) - Der Kronacher Kunstverein präsentiert eine außergewöhnliche Werkschau zweier Berliner Künstler: faszinierende Lichtobjekte von Susanne Rottenbacher und eine raumgreifende multimediale Installation von Markus Butkereit. Beide Künstler beschäftigen sich mit Begriffen wie Schönheit und Vergänglichkeit sowie Raum und Zeit.

 

Ihre Objekte scheinen förmlich zu schweben: federleichte und doch enorm ausdrucksstarke Lichtsymphonien, die sich kontinuierlich - je nach Lichteinfluss  - verändern und zwischen zurückhaltend elegant am Tag und dynamisch energetisierend und farbexplosiv in der Nacht oszillieren. Susanne Rottenbacher ist eine wahre Lichtpoetin. Ihre Arbeiten wirken wie von Hand gemalte Lichtbilder. Und mit ihnen erzählt sie ihre faszinierenden Geschichten. Sie wirft Schwünge, Linien und Formen in den Raum - und lässt sie auch wieder verschwinden. So schafft die Künstlerin mit Licht neue Dimensionen. Die Botschaft lautet: Veränderung.

Susanne Rottenbacher, 1969 in Göttingen geboren, studierte in New York an der Columbia University  Bühnenraum und absolvierte danach ein Studium in Licht an der Bartlett School of Architecture and Planning in London. Sie arbeitete als Bühnenbildnerin an der Deutschen Oper Berlin und als Lichtbildnerin für das Büro „LichtKunstLicht“. In diesem Kontext konzipierte sie unter anderem das Licht-Design des Bundeskanzleramtes und der Regierungsneubauten. Arbeiten, mit denen sie großes Renommee errang. Seit 2004 ist sie als freie Lichtkünstlerin in Berlin tätig - und international gefragt. U.a. schuf sie für die Swarovski Kristallwelten in Innsbruck einen faszinierenden vertikalen „Seerosenteich“ aus Licht und Glas. Im Kronacher Kunstverein zeigt Susanne Rottenbacher u.a. ihr märchenhaft filigranes Lichtobjekt „Lux Serpentinata“. Die Außeninstallation wird in den nächsten Wochen die Terrasse am Kronacher Kreiskulturraum illuminieren.

Wie macht man einen Raum sichtbar? In welcher Zeitlichkeit nehmen wir unsere Umgebung und die in ihr stattfindenden Bewegungen wahr? Wie kann man den menschlichen Körper in Relation zu den Teilchen setzen aus denen er besteht? Das sind die Fragen, die den Berliner Installationskünstler Markus Butkereit umtreiben. Der 1976 in Berlin geborene Künstler zeigt in der Galerie des Kronacher Kunstvereins seine exklusiv für Kronach konzipierte, raumgreifende Installation „Suspension - Saltation - Reptation“.

Butkereit geht es darum, einen Raum zu schaffen, in dem es dem Betrachter möglich ist, sich in seiner Vorstellung mit seiner eigenen atomaren Struktur auseinanderzusetzen. Die Komplexität physikalischer Vorgänge inszeniert er mit Techniken aus dem Bereich der Spezialeffekte wie man sie aus dem Kino kennt. Den Betrachter lädt der Künstler dabei ein, seine Sehgewohnheiten zu überprüfen und zu hinterfragen.

Die Ausstellung mit Arbeiten von Susanne Rottenbacher und Markus Butkereit hat der Kronacher Kunstverein unter den Titel „We never sleep“ gestellt. Zu sehen sind die Arbeiten noch bis 24.10.2021

Kronacher Kunstverein, Siechenangerstraße 13, 96317 Kronach |
Öffnungszeiten: donnerstags bis sonntags, jeweils von 15:00 bis 18:00 Uhr |
Der Eintritt ist frei.

Mehr Infos: www.kunstverein-kronach.de


Ein Archipel an Geschichten:

Die Philippinen auf der Frankfurter Buchmesse 2021

Foto: fame creative lab
Foto: fame creative lab

(Manila / Frankfurt/pm) - Die Philippinen sind nicht nur ein Inselparadies erster Güte, sondern können durch ihre vielfältige Geschichte auch mit einem reichen kulturellen Erbe aufwarten. Und ebenso reich wie seine Geschichte ist auch die Literatur des Landes: Gespickt mit Epen, Mythen und Geschichten, die dreieinhalb Jahrhunderte der Kolonialisierung überstanden haben und mündlich oder schriftlich von Generation zu Generation überliefert wurden.

Mit diesem literarischen Reichtum präsentieren sich die Philippinen vom 20. bis 24. Oktober 2021 zum sechsten Mal in Folge auf der Frankfurter Buchmesse in Halle 6.0 an Stand C119.

Im Gepäck hat der Inselstaat jede Menge aufregende Neuerscheinungen von aufstrebenden Autoren und altbekannten Gesichtern. Zu den präsentierten literarischen Werken zählt beispielsweise „Remains“, der Debütroman von Daryll Delgado, der Erinnerungen an den Super-Taifun Yolanda zum Leben erweckt, oder „Seven Slippers“ von Divine Gil Reyes und Benjor Catindig, eine bezaubernde Geschichte über Inklusion und Toleranz. 

Mindestens genauso aufsehenerregend wie die literarischen Werke selbst ist auch der Messestand der Philippinen. Unter dem Motto „Mythos, Magie und die Stadt: Die Rückgewinnung unserer Erzählung“ verbindet der Stand Bilder aus der philippinischen Mythologie mit Texturen aus ethnolinguistischen Designs und Mustern. Eine Reihe von Tafeln fügt sich zu einer Erzählung zusammen und schafft einen reichen Wandteppich der philippinischen Kultur und Identität.

Das kreative Gesicht dahinter ist die Designerin Jowee Alviar vom „Team Manila“. Team Manila ist ein preisgekröntes Designstudio aus der philippinischen Hauptstadt, das unter anderem zu den Organisatoren der jährlichen „Manila Design Week“ zählt. „Team Manila“ hat darüber hinaus die Visuals für die Erzählung „The Last Moon“ beigesteuert. Das daraus entstandene NFT wird als Erstes seiner Art auf der Buchmesse 2021 gelauncht. 

Und ein Besuch am Stand lohnt nicht nur wegen seines Designs. Darüber hinaus entführt ein spannendes Rahmenprogramm in den südostasiatischen Inselstaat. So heißt es beispielsweise am 20. Oktober um 10.00 Uhr: „Die Küche der Philippinen: 7.641 Arten, zu kochen“. Am 24. Oktober um 10.00 Uhr können Standbesucher unter dem Motto „Mythen, Städte und Gemeinden“ Spannendes über die 180 ethnolinguistischen Gruppen der Philippinen erfahren.

Die virtuelle Ausstellung „Mythen, Magie und Kindheit“ gibt mit einer Sammlung an Kinderbuchillustrationen wertvolle Einblicke in eine typische Kindheit im sonnigen Archipel.

Weitere Informationen zu den Philippinen gibt es unter https://www.morefunphilippines.de/ 

 

Über die Philippinen

Tausende von Inseln, und keine ist wie die anderen. Die Philippinen bestechen mit palmengesäumten Traumstränden, sattgrünen Reisterrassen, tropischen Regenwäldern, aufregenden Metropolen und endlosen Erlebnissen. Ob Begegnungen unter Wasser mit den seltenen Thresher Sharks oder zu Land mit den niedlichen Tarsiers, ob zu Fuß durch die legendären Chocolate Hills oder mit dem Boot über unterirdische Flüsse, ob auf den Spuren der kolonialen Vergangenheit in Manila oder unterwegs in der Natur – der Inselstaat vermag es immer wieder, zu überraschen und zu begeistern. Und die 108 Millionen Filipinos mit ihrem warmen Lächeln und ihrem unerschöpflichen Vorrat an Geschichten sind der lebende Beweis: It’s more fun in the Philippines!

 

 


Familienausstellung widmet sich den Themen Klimaschutz und Artenvielfalt

„Expedition Erde“ im Historischen Museum der Pfalz

Foto: Historisches Museum der Pfalz Speyer
Foto: Historisches Museum der Pfalz Speyer

(Speyer/pm) - Nur wenige Zentimeter unter unseren Füßen befindet sich ein verborgenes Reich, eine faszinierende Welt. Wäre es nicht spannend, einmal zu erforschen, was in der Erde geschieht? Dazu lädt die interaktive Familienausstellung „Expedition Erde. Im Reich von Maulwurf und Regenwurm. Eine Mitmachausstellung des ZOOM Kindermuseums Wien“ ein. Sie ist vom 10. Oktober 2021 bis zum 19. Juni 2022 im Historischen Museum der Pfalz in Speyer zu sehen.

 

Unzählige Lebewesen tummeln sich im Erdreich: angefangen von kleinsten Lebewesen, die wir mit bloßen Augen nicht sehen können, über Würmer und Käfer bis hin zu Ameisen und Erdhummeln. Auch Pilze wachsen zum größten Teil im Verborgenen. Sie bilden unterirdisch riesige Netzwerke und versorgen die Bäume mit Wasser. Die Ausstellung zeigt großen und kleinen Besucherinnen und Besuchern, wie sie dieses einzigartige Ökosystem schützen können. In der Ausstellung gehen sie auf eine Entdeckungstour in das Reich unter unseren Füßen. Dabei begegnen sie wahren Superhelden der Bodenarbeit wie dem Regenwurm. Für die Zeit der Ausstellung sind lebendige Regenwürmer im Museum eingezogen und lassen sich in einem speziell für sie gebauten Terrarium beobachten. Im Frühjahr werden weitere Tiere die Ausstellung bevölkern: Sobald die ersten Ameisenköniginnen aktiv sind, zieht ein Ameisenvolk ein. Das Zuhause für die kleinen Insekten, ein Formicarium, ist bereits vorbereitet und zeigt die verschiedenen, durch Röhren miteinander verbundenen Räume, die die Tiere zur Organisation ihres Lebens benötigen: So gibt es neben der Basisstation beispielsweise einen Futterraum und einen Friedhof.

 

„Unsere jungen Gäste werden auf eine spannende, unterirdische Mission geschickt, auf der sie viel Lehrreiches entdecken – hilfreiches Wissen für die großen Herausforderungen unserer Zeit, den Kampf gegen den Klimawandel und den Erhalt der Artenvielfalt,“ erklärte Museumsdirektor Alexander Schubert.

 

Zu den spannenden interaktiven Angeboten der Ausstellung zählen eine Forschungsstation zur Photosynthese, ein Bodenlabor und ein historischer Traktor, der zum Spielen einlädt. Kurze Filmbeträge erzählen vom Leben der Erdhummel oder der Kommunikation zwischen Pilzen und Bäumen.

 

Öffnungszeiten

Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags von 10 bis 18 Uhr geöffnet, an Feiertagen sowie in den rheinland-pfälzischen, baden-württembergischen und hessischen Schulferien auch montags von 10 bis 18 Uhr.

Aktuelle Informationen zu den jeweils gültigen Corona-Vorgaben unter www.museum.speyer.de. Weitere Informationen zur Ausstellung unter www.expedition-erde-ausstellung.de

 

 


„Bibi Blocksberg und die Generation Kassettenkinder“ – der offizielle Podcast von und für erwachsene Fans

Foto: KIDDINX
Foto: KIDDINX

 

(Berlin/pm) - Die prominenteste Hörspielfigur im deutschsprachigen Raum bekommt einen eigenen, offiziellen Podcast: „Bibi Blocksberg und die Generation Kassettenkinder“. Das Konzept: Langjährige Wegbegleiter von Bibi sprechen über Hörspiel-Mythen, Ungereimtheiten und generationenübergreifende Fanliebe. 24 Podcast Folgen sind produziert, 10 weitere sind in Planung. 

 

Das Rattern der Kassettenrekorder und stundenlang Bibi-Hörspiele in Endlosschleife – für Kinder der 80er Jahre eine nostalgische Erinnerung an schöne Kindheitstage. 

Seit 41 Jahren begeistert die willensstarke Junghexe aus Neustadt mit ihrer frech-fröhlichen Art und ihrem unverkennbaren Hex hex. Seither wuchsen ganze Generationen von Kindern mit den Abenteuern von Bibi Blocksberg und Kartoffelbrei auf. Und nicht erst seitdem die Insights der Streamingplattformen zeigen, dass zwischen 22 Uhr abends bis 4 Uhr morgens die Zugriffszahlen steil nach oben gehen, weiß KIDDINX, dass Bibi Blocksberg eine riesige erwachsene Community hat, die nach Feierabend Entspannung bei ihrer Kindheitsheldin sucht. 

Für junge und alte Bibi-Fans gibt es ab dem 8. Oktober 2021, jeden Freitag, den Podcast „Bibi Blocksberg und die Generation Kassettenkinder“. Die 24 Folgen werden auf allen Streamingplattformen wie Spotify, Amazon Music Apple Music und Deezer sowie bei YouTube ausgestrahlt: https://kiddinx.lnk.to/generation_kassettenkinder  

Worum geht es im offiziellen Podcast? 

Ganze Internetforen beschäftigen sich mit der Frage, wo Bibis Bruder Boris abgeblieben ist und ob er jemals zurückkommen wird. In den Social Media-Kanälen von Bibi wird seit Jahren hitzig darüber diskutiert, wer im Hause Blocksberg denn nun eigentlich die Hosen anhat, welches die beste Folge aller Zeiten ist und weshalb Bernhard mit Frau Kohl nach Mallorca gefahren ist. 

Diese und andere Fragen und Phänomene besprechen die beiden erwachsenen Moderator:innen mit Leidenschaft. Sie binden dabei die Fragen der Community ein und stellen deren Fragen stellvertretend an Gäste, wie der Sprecherin von Bibi Blocksberg, Susanna Bonaséwicz, der Bibi Blocksberg Erfinderin Elfie Donnelly, dem Autor der Hörspiele Klaus P. Weigand und prominenten Fans, wie dem Modedesigner Kilian Kerner und der Berliner Drag Queen Bambi Mercury.  

Die Moderator:innen: Antje Wessels und Stefan Springer aka „Der Springer aus Herten“

Antje Wessels und „Der Springer aus Herten“ sind Bibi-Fans seit Kindheitstagen an und moderieren gemeinsam den Podcast.

Filmkritikerin und Bloggerin Antje Wessels arbeitet als Freelancerin für Rocket Beans TV Hamburg, dem Produzenten des Podcast, und kennt sich bestens im Bibi-Universum aus. Sie war der perfekte Fit für die Besetzung eines Fans als Moderatorin. 

Der Moderator Stefan Springer, wohnhaft in Herten, aka „Der Springer aus Herten“ ist der wohl größte Bibi-Fan aller Zeiten und wird insgeheim von seinen Anhängern „Bibipedia“ genannt. Seit seiner Kindheit sammelt er akribisch Hintergrundwissen zu allen Bibi-Hörspielen und verblüfft im Podcast mit schier unglaublichem Wissen zum Bibi- Universum. Längst hat er sich innerhalb der Bibi-Fan-Community mit seinem Rezensionsformat „Der Springer aus Herten kommentiert“ auf YouTube eine eigene Fanbase aufgebaut: https://www.youtube.com/hashtag/derspringerkommentiert

Zu Gast im Studio: langjährige Begleiter und Mitstreiter von Bibi 

Die beiden Moderator:innen beleuchten unterhaltsam das Bibi-Universum aus Sicht der Fans und interviewen spannende Gäste , die die Welt von Bibi Blocksberg maßgeblich mitgestaltet haben.  Mit dabei sind u.a.: 

  • Elfie Donnelly, die Erfinderin von Bibi Blocksberg und Autorin der allerersten Episoden
  • Susanna Bonaséwicz, seit über 40 Jahren die unverkennbare Stimme von Bibi Blocksberg
  • Klaus P. Weigand, Autor von Bibi, der seit über 25 Jahren die Hörspielgeschichten schreibt. 
  • Carsten Richter, einer der letzten Geräuschemacher, der die Hörspielgeräusche noch vor Ort und per Hand kreiert. 
  • Carsten Brüse, Tonmeister, verantwortlich für Töne, die Millionen Deutscher in Sekunden erkennen. Hexhex.
  • Kilian Kerner, Berliner Modedesigner und passionierter Bibi-Verehrer, der ihr eine eigene Fashion-Kollektion gewidmet hat. 

Die Community darf mitbestimmen

Bibi Blocksberg hat eine große Followerschaft bei YouTube, Facebook und Instagram. Und diese Fan-Community wurde von Anfang an in den Podcast mit einbezogen. Nicht nur, dass sie über den Titel des Podcasts abstimmen durfte, auch bei der inhaltlichen Gestaltung haben die Fans ein Wörtchen mitzureden. 

Über Instagram Audio Message können die Fans ihre ganz persönlichen Fragen an die Gäste einschicken, die dann im Studio per Live-Einspieler gestellt werden. 

Produziert von Rocket Beans TV

Produziert wird das Format von Rocket Beans TV Hamburg. Seit seinem Start 2015 hat sich Deutschlands einziger unabhängiger Online-TV-Sender zum europaweit erfolgreichsten Kanal auf der Streaming-Plattform Twitch entwickelt. Und seit 2016 sendet Rocket Beans TV 24 Stunden pro Tag auf YouTube. Mehr unter https://rocketbeans.tv/ 

 

 

Foto: KIDDINX
Foto: KIDDINX

Jubiläumsausstellung präsentiert Neues zur Vergangenheit des UNESCO Welterbes Kloster Lorsch:

„Geschichte schöpfen – Quellen aus einem Brunnen“

(Lorsch/pm) - Im 30. Jahr der Verleihung des UNESCO Welterbetitels an Kloster Lorsch bringt eine Jubiläumsausstellung einmalige Funde aus einem alten Brunnen zum Vorschein. Die multimediale Schau „Geschichte schöpfen – Quellen aus einem Brunnen“ zeigt dem Publikum vom 6. Oktober 2021 an erstmals einen seltenen „Atzmann“. Die Skulptur aus dem 13. Jahrhundert ist ein steinerner Pultträger, der sich jetzt in die kleine Zahl erhaltener Exemplare dieses Typus einreiht: Nur 19 weitere waren bisher bekannt. Der „Atzmann“ und viele andere spektakuläre Architektur- und Figuren- Werkstücke waren in der Wandung eines barocken Brunnens verbaut. Sie stammen aus der zerstörten Lorscher Nazarius-Basilika, von der nur noch ein Baufragment existiert. Sie war einst als „Wunder an Pracht und Schönheit“ gerühmt worden. Die Neuentdeckungen lassen auf eine Blütezeit klösterlicher (Bau)Kunst auch in nachkarolingischer Zeit schließen. Am Dienstag (5.Oktober) wurde die von der Baudenkmalpflegerin Dr. Katarina Papajanni kuratierte Ausstellung im Schaudepot Zehntscheune in Anwesenheit der Staatssekretärin im Ministerium für Wissenschaft und Kunst, Ayse Asar, eröffnet. Sie bleibt bis 28. November 2021 zugänglich und ist nach einer Winterpause wieder vom 1. März bis 30. Oktober 2022 zu besuchen.

 

Bei der Untersuchung eines alten Brunnens auf dem Gelände des UNESCO Weltkulturerbes Lorsch vor einigen Jahren kamen unerwartet qualitätsvolle mittelalterliche Architektur- und Skulpturfragmente zum Vorschein. Eingebaut in die Wandung konnten einige von ihnen geborgen werden. Das Staunen über diese Funde war damals groß. Nach gründlicher Dokumentation, Restaurierung und wissenschaftlicher Einordnung sind sie nun erstmals öffentlich zu sehen. Die am 6. Oktober 2021 eröffnete Ausstellung “Geschichte schöpfen – Quellen aus einem Brunnen” der Staatlichen Schlösser und Gärten Hessen (SG) ist der Höhepunkt des Jubiläumsprogramms zu 30 Jahren UNESCO Weltkulturerbe Kloster Lorsch. Die Präsentation im Schaudepot Zehntscheune spiegelt nach Meinung der Staatssekretärin im Hessischen Ministerium für Wissenschaft und Kunst, Ayse Asar, die Qualität und den Auftrag einer Welterbestätte. “Dies ist ein authentischer Ort der Geschichte, an dem Menschen dank beispielhafter Vermittlungsinitiativen von Neugierigen zu Wissenden werden. Kloster Lorsch hat uns immer wieder mit Aufsehen erregenden Ausstellungen begeistert, darunter die anthropologische Schau “Begraben und Vergessen. Knochen erzählen Geschichte” zu menschlichen Überresten. Stets werden der Vergangenheit neue wichtige Erkenntnisse entlockt und verständlich für das Publikum aufbereitet. Der Atzmann ist eine Sensation.”

 

Werkstücke werfen neues Licht auf die Geschichte des Klosters

Die kostbaren Steinmetzarbeiten, die im oberen Teil des zehn Meter tiefen barocken Brunnens verbaut waren, gehörten einmal zur Ausstattung der ehemaligen Lorscher Nazarius-Basilika. Von dem Gotteshaus mit seinen Anfängen in der Karolingerzeit, das als Wunder an Pracht und Schönheit” gerühmt wurde, ist heute nur noch der westliche Teil des Mittelschiffs (das sogenannte Kirchenfragment) erhalten. Zu den Werkstücken aus dem Brunnen gehören unter anderem die ornamentierten Elemente einer Chorschranke aus romanischer Zeit sowie Fragmente von gotischen Skulpturen mit bedeutenden Farbfassungsresten. „Die Entdeckung der wiederverwendeten Spolien ist aus unserer Sicht nicht hoch genug einzuschätzen”, sagt Kirsten Worms, Direktorin der SG. “Sie werfen ein neues Licht auf die Geschichte des Klosters. Eine Blütezeit, unbestreitbar für die Epoche der karolingischen Herrscher, ist jetzt auch für spätere Jahrhunderte am Ort greifbar. Uns erscheint es sogar möglich, das Kloster in der Kunst und Architektur des Hoch- und Spätmittelalters neu zu verorten. Wir freuen uns über diesen großen Zugewinn an Erkenntnissen.“


Kuriosität: ein “Atzmann”

Unter den kunsthistorisch hochbedeutenden Funden ist beispielsweise ein “Atzmann” aus dem 13. Jahrhundert: Diese seltene Bilderfindung gehört zu den Kuriositäten steinerner Kathedralskulptur des Mittelalters: Er wurde als ein Diener in Menschengestalt mit liturgischen Gewändern dargestellt, der auf Brusthöhe eine Pultplatte vor sich hält. Insgesamt sind aktuell nur 20 Atzmänner erhalten. Das neu entdeckte Lorscher Exemplar fordert eine Bezugnahme zu anderen heraus, beispielsweise zu jenen der weltbekannten Dome von Naumburg und Straßburg sowie zum Atzmann in der ehemaligen Chorherrenstiftskirche St. Peter in Fritzlar. Daher werden zum Vergleich diese drei “Verwandten” als digitale Modelle und alle weiteren Pultträger mit Fotografien in der Ausstellung gezeigt.

 

Der Brunnen gab Erzählung und Szenographie vor

Nach den Worten der Kuratorin und Baudenkmalpflegerin der SG, Dr. Katarina Papajanni, wurden die Objekte mit hochpräzisen 3DScans erfasst und mit unterschiedlichen Methoden der Bauforschung, Restaurierung und Kunstgeschichte sowie der Naturwissenschaften dokumentiert und analysiert. Zudem habe man mit den Funden früherer Grabungen einen erweiterten Kontext für manches hinzugekommene Werkstück geschaffen: Korrespondierende Arbeiten aus dem Altbestand des Lorscher Lapidariums wurden einbezogen. “Wir haben sämtliche Blickwinkel auf das neue Material eingenommen, um sie disziplinenübergreifend einzuordnen”, so Papajanni. Auch der Brunnenschacht selbst war Gegenstand gründlicher Erforschung. Er gab die Idee zu einer aufwändigen Szenographie für “Geschichte schöpfen – Quellen aus einem Brunnen” der Gestalterin Sabine Gutjahr (Exposition, Frankfurt). Papajanni und Gutjahr zielten darauf ab, die neuen Funde Interessierten aller Altersgruppen – auch ohne Vorkenntnisse – in ihrer Attraktivität und Bedeutung für Lorsch möglichst anschaulich vorzuführen.

 

Hinweis:

Die Ausstellung bleibt zunächst bis zum 28. November 2021 geöffnet. In der Winterpause der Zehntscheune finden jedoch weiterhin Führungen nach vorheriger Anmeldungen statt. Vom 1. März bis 30. Oktober 2022 ist die Schau wieder uneingeschränkt zugänglich. 2022 erscheint zu “Geschichte schöpfen – Quellen aus einem Brunnen” eine umfangreiche Publikation im Verlag Schnell & Steiner.

Noch im Jubiläumsjahr führen zwei kunsthistorische Vorträge in Themen ein, die die Ausstellung aufruft: Am 10. November 2021, 18:30 Uhr, stellt Dr. Anja Lempges vom Dom- und Diözesan-

 

Museum Mainz den aktuellen Stand der Forschung zum Skulpturentypus Atzmann vor: “Atzmann. Stummer Diener für lautes Lob”. Angelika Wellnhofer, Kunsthistorikerin aus Regensburg, gibt am 2. Dezember 2021, um 18:30 Uhr, einen allgemeinen Überblick zu Kunst, die aus dem Zeitgeschmack fiel: “Verschenkt, enthauptet, begraben. Das Schicksal der Kunst”. Beide Vorträge finden im Paul-Schnitzer-Saal am Museumszentrum statt.


„The place to be“ für die Musikszene:

Sting eröffnete das Reeperbahn Festival Hamburg

(Hamburg/pm) - „Das Reeperbahn Festival ist der ‚place to be′ für die deutsche und internationale Musikszene und ein Leuchtturm des Musikstandortes Deutschland". In ihrem Grußwort zur Eröffnung des 16. Reeperbahn Festivals unterstrich Prof. Monika Grütters, Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien gestern die internationale Strahlkraft des Reeperbahn Festivals und setzte damit die Tonalität für die kommenden vier Tage. Viel mehr Internationalität und Präsenz in allen Programmbereichen als im Vorjahr und ein mit rund 25.000 Besucher*innen über vier Tage ausverkauftes Festival, dessen erster musikalischer Liveact 2021 gestern am Abend der Weltstar Sting war.

Am gestrigen Abend (22. September) wurde das 16. Reeperbahn Festival eröffnet und lockt noch bis zum 25. September Musikfreunde und –professionals in die Musikmetropole Hamburg. Nach einem weiteren Jahr, in dem die Musikwelt mit den Herausforderungen der Pandemie zu kämpfen hat, ist die Hoffnung allgegenwärtig, dass die nunmehr zweite pandemiegerechte Ausgabe des Reeperbahn Festivals einen weiteren Schritt zurück in einen regelmäßigen und internationalen Kulturbetrieb darstellt. Das Liveprogramm enthält in diesem Jahr rund 300 Konzerte von 250 Acts aus über 20 Ländern. Für die internationalen Fachbesucher*innen der Reeperbahn Festival Konferenz stehen über 150 Programmpunkte mit über 300 Speaker*innen bereit. Über 80 Programmpunkte aus den Bereichen Arts, Word Film und Education komplettieren das Angebot.

Die erwartete Besucher*innenzahl über vier Tage beträgt 25.000, davon rund 1.500 Fachbesucher*innen. Der internationale Musikpreis ANCHOR wird in diesem Jahr zum sechsten Mal verliehen, nominiert sind sechs Acts aus Großbritannien, Österreich und Deutschland, deren Konzerte auch über die Streaming-Plattform des Reeperbahn Festivals mitzuverfolgen sind. Dort stehen insgesamt rund 100 Programmpunkte zur Verfügung, darunter die Opening Show inkl. Performance von Sting, das Eröffnungskonzert von Joy Denalane sowie die ANCHOR Verleihung 2021. Mehr Informationen unter www.reeperbahnfestival.de.

Reeperbahn Festival versetzt Hamburg in einen Kulturrausch

Die Bedeutung des Festivals für die Stadt und ihre Kulturszene fasst Dr. Carsten Brosda, Hamburger Senator für Kultur und Medien zusammen: „Kunst und Kultur sind zurück und das Reeperbahn Festival bereitet der Musikwelt in Hamburg eine rauschende Bühne! In den kommenden Tagen ist die Hansestadt wieder Hauptstadt der Musik und begrüßt zahlreiche internationale Gäste auf den Bühnen der Musikclubs rund um die Reeperbahn. Das Reeperbahn Festival hat sich zu einem der wichtigsten Treffpunkte für die Musikwelt entwickelt. Das hochkarätige Eröffnungsprogramm zeigt, dass dies gleichermaßen ein Festival der großen Stars und der großen Talente ist. Das Konferenzprogramm unterstreicht die zentrale Rolle des Reeperbahn Festivals als wichtigste deutsche Leitveranstaltung ihrer Art und macht seine internationale Relevanz deutlich.“

Seit dem Neustart der Kultur im Sommer befindet sich Hamburg in einem regelrechten Kulturrausch. Egal, für welches kulturelle Genre das Herz schlägt, diesen Herbst sichern Veranstaltungen aller Sparten den kulturellen Genuss in der Hansestadt. Unter dem Motto „OPEN ALL SENSES“ darf die Kultur wieder gemeinsam erlebt, gehört und gespürt werden. Neben dem Reeperbahn Festival als musikalischem Höhepunkt im Herbst sorgen auch weitere Festivals wie das Filmfest Hamburg für berauschende Festivalatmosphäre. Die Konzerthäuser und Theater sind in die neue Spielzeit gestartet, die Musicals sind zurück und die Museen und Kunsthäuser haben viele großartige Ausstellungen auf dem Plan. Und auch das Jahr 2022 wird mit einem kulturellen Highlight beginnen: Im Januar feiert Hamburg den fünften Geburtstag seines Wahrzeichens, der Elbphilharmonie. Mehr Kulturtipps unter www.kulturrausch.hamburg.

Das Konzertprogramm – internationale Gäste wieder live vor Ort

Europas größtes Clubfestival zeigt ein umfangreiches musikalisches Programm in rund 35 Spielstätten. Bisher angekündigte Konzert-Highlights 2021 sind dabei u.a. der australische Singer-Songwriter RY X, die Rapper Mavi Phoenix (AT), Goldroger (DE), die Indie-Elektroniker Weval II (NL), Pop-Act ILIRA (CH), Songwriter*innen Antje Schomaker (DE) und William Fitzsimmons (US), die Retro-Rock Institution Kadavar (DE) sowie Indie-Pop Bands wie JEREMIAS (DE) und Die Höchste Eisenbahn (DE). Auch in der Elbphilharmonie finden in diesem Jahr wieder Konzerte im Rahmen des Reeperbahn Festivals statt. Am Freitag spielen RY X (AU) und die ANCHOR Gewinner*innen 2020 ÄTNA x NDR Bigband (DE), während am Samstag Alice Phoebe Lou (ZA), Niklas Paschburg (DE) sowie erneut RY X (AU) auftreten werden. Im Filmprogramm stellt u.a. Regisseur Edgar Wright (UK) seinen Film „The Sparks Brothers” (UK/USA) vor. Das vollständige Programm gibt es hier online: www.reeperbahnfestival.com/de/festival/programm.

 

Mehr Hamburg:

Viele weitere Hamburg-Tipps zum Download oder direkt aus dem Web unter folgenden Links:

 


Größtes Britisches Rockfestival am 24. Juni  2022 Erstmals am Hockenheimring Line-Up mit Five Finger Death Punch und Sabaton bereits bestätigt

DOWNLOAD GERMANY PREMIERE MIT METALLICA

Foto: LiveNation
Foto: LiveNation

(Frankfurt/ln) - Download zählt seit Jahren zu den beliebtesten britischen Festival-Events, auf dem sich die stärksten und populärsten Rockbands und Metal-Ikonen präsentieren. Jetzt hat Download Germany mit Metallica am 24. Juni 2022 auf dem Hockenheimring Premiere. Und die Message für alle Fans ist klar: die beste und eindrucksvollste Hard´n´Heavy Music Experience überhaupt! 

Download Germany bietet dem authentischen Metal-Genre im legendären Motordrom am Hockenheimring ein neues Zuhause. Auf einer riesigen Doppelbühne agieren Ende Juni bis zu 10 Top Acts.

Zum Start gelang es dem Veranstalter Live Nation die ultimativste aller Rockbands als Headliner zu engagieren: METALLICA – die im Rahmen der Veröffentlichung ihres neu-remasterten Black Albums ihr einziges Deutschland-Konzert im nächsten Jahr bei Download Germany spielen werden.

Gemeinsam mit weiteren absoluten Rock-Schwergewichten wie Five Finger Death Punch und Sabaton (beide 2022 festivalexklusiv in Deutschland!) sowie über 70.000 erwarteten Besuchern will Download Germany für ein gewaltiges und nachhaltiges Echo sorgen. 

Für das Download Germany sind neben Festival-Tickets für den Innenraum Zutrittsberechtigungen für die Südtribüne erhältlich. In der ersten Preisstufe kosten die Innenraum Tickets 139 EUR inkl. Parken und VVK Gebühr. Für die Südtribüne sind Festival-Tickets ab 159 EUR inkl. Parken und VVK Gebühr verfügbar.

Alle Tickets sind als mobile Tickets oder alternativ zum Ausdrucken als TicketFast erhältlich.

Weitere detaillierte Informationen rund um das Download Germany, Ticketing sowie die allgemeinen Geschäftsbedingungen finden sich unter www.downloadgermanyfestival.de

 

 

Presented by Live Nation

 

DOWNLOAD GERMANY 2022

HOCKENHEIMRING | 24. Juni 2022

 

Five Finger Death Punch

Metallica

Sabaton

u.a.

 

allgemeiner Vorverkaufsstart:

Freitag, 17.9.2021 ab 12:00 Uhr

 

www.downloadgermanyfestival.de

facebook.com/downloadGermany

twitter.com/downloadGermany

instagram.com/downloadGermany

 

 

#downloadgermany2022


Seit 30 Jahren wird Geschichte geschöpft und vermittelt – UNESCO Welterbe

Kloster Lorsch feiert Jubiläum als erstes hessisches Kulturerbe der Menschheit

Vor 30 Jahren nahmen Kloster Lorsch und das angrenzende Altenmünster als erste hessische Stätte ihren Platz auf der Liste des wertvollsten Kulturerbes der Menschheit ein. Seit 1991 wird die im frühen Mittelalter begonnene Geschichte der einst berühmten karolingischen Reichsabtei unablässig wissenschaftlich erforscht und die Ergebnisse in vielfältigen Weisen an das Publikum vermittelt. Das Jubiläum gibt Anlass für ein mehrmonatiges Programm mit Rückblicken und Ausblicken und zum Zweck des UNESCO Welterbes. Höhepunkt ist eine Ausstellung mit spektakulären, noch nie öffentlich präsentierten archäologischen Funden.
 
Nach den Worten der Wissenschafts- und Kunstministerin Angela Dorn stellt die Klosteranlage in der Obhut der Staatlichen Schlösser und Gärten Hessen (SG) eine vorbildlich enge Verbindung zwischen Wissenschaft und museumspädagogischen Angeboten her. Lorsch ist eines von inzwischen sieben hessischen Welterbestätten: „Der Titel Welterbe adelt alle diese Orte und ist zugleich ein besonderer Auftrag, sie lebendig zu halten, indem wir sie als Teil unserer heutigen Welt verstehen. Kloster Lorsch zeigt dies beispielhaft: Dort forscht ein engagiertes Team und leistet mit immer neuen Kenntnissen hervorragende Vermittlungsarbeit.“
 
Diesen Anspruch soll auch eine Ausstellung erfüllen, die Dr. Katarina Papajanni, Baudenkmalpflegerin bei der SG, kuratierte:„Geschichte schöpfen – Quellen aus einem Brunnen“ wird am 6. Oktober 2021 in der Lorscher Zehntscheune eröffnet und nach einer Winterpause bis 30. Oktober 2022 gezeigt. Erstmals  bekommen Besucher:innen qualitätsvolle Fragmente von Architektur und Skulpturen zu Gesicht, die Papajanni vor Jahren in dem Gewände eines barocken Brunnens auf dem Klosterhügel in Lorsch entdeckte.
 
Der Brunnen und die Grabungsfunde sind seither mit 3D-Scans dokumentiert und mit unterschiedlichen Methoden der Geistes-und Naturwissenschaften untersucht worden. Jetzt ist es möglich, die sogenannten Spolien aus Sicht verschiedener wissenschaftlicher Disziplinen einzuordnen und für Interessierte – auch ohne Vorkenntnisse – analog und digital zu präsentieren. Thematisiert wird auch der Brunnen selbst mit den teils herausgelösten, teils noch verbliebenen Werkstücken in seinem 15 Meter tiefen Schacht. Er gab die Idee für eine aufwändige Gestaltung der Frankfurter Agentur „Exposition“.
 
Unter den großen Bruchstücken, die ehemals zur Ausstattung der nur noch als Ruine erhaltenen Klosterkirche gehörten, befindet sich der aussagekräftige Rest einer gotischen Skulptur: ein „Atzmann“. An diesem Lesepult in Gestalt eines Diakons, der für die kirchliche Liturgie bestimmt war, haften sogar noch Spuren der ursprünglichen Farbfassung. Das Großfragment ermöglicht Vergleiche zu anderen Exemplaren in den weltbekannten Domen von Naumburg und Straßburg.
 
„Die Entdeckung aller Werkstücke wirft ein ganz neues Licht auf die Geschichte des Klosters“, sagt Kirsten Worms, Direktorin der SG. „Eine Blütezeit, unbestreitbar für die karolingische Epoche, ist nun auch für spätere Jahrhunderte am Ort greifbar. Uns erscheint sogar eine Neuverortung des Klosters in die Kunst und Architektur des Hoch- und Spätmittelalters möglich.“
 
Für das Welterbejubiläum sind mehrere Publikumsvorträge vorgesehen, unter anderem zur Ausstellung (10. November, 2. Dezember). Im Zentrum stehen drei, die über die Zeit vor und nach der Ernennung Kloster Lorschs durch die UNESCO Kommission 1991 Auskunft geben (21. September, 21. Oktober und 18. November 2021). Diese Rückschau zur Entwicklung der Stätte über die Jahrzehnte nimmt ein Festakt mit Beteiligung des Ministeriums für Wissenschaft und Kunst am 13. Dezember 2021 wieder auf und überführt sie in Überlegungen für die weitere Zukunft: Der Leiter der Welterbestätte, Dr. Hermann Schefers, diskutiert mit einer Expert:innenrunde unter dem Titel „Kulturpolitischer Luxus oder innovative Bildungsoffensive? Resümee und Ausblick nach 30 Jahren Welterbe Kloster Lorsch“. Der Festakt und das Podiumsgespräch werden live gestreamt.
 
Nach Ansicht von Dr. Schefers hat sich die Wahrnehmung des „Labels“ Welterbe für Lorsch, mit dem anfangs kaum jemand etwas anzufangen wusste, völlig verändert. Ein Grund dafür seien die vielfältigen Vermittlungsinitiativen in Lorsch. Es zeige sich sogar, dass Welterbestätten aufgrund ihrer exemplarischen Bedeutung bei den Gästen als außerschulische Lernorte anerkannt seien. „Sie sind nicht allein Denkmäler, sondern werden als Institutionen aufgefasst, die, wie Museen, einen eigenen Bildungsauftrag haben“, so Schefers. „Die von Lorsch ausgehende Initiative einer »World Heritage Education« will dazu theoretische und praktische Impulse liefern. Sie arbeitet mit einem erhaltenen Denkmalbestand ebenso wie mit dem dahinterstehenden »Geist«, über den Welt- Kultur überhaupt erst als solche verständlich wird.“

Weitere Informationen:
www.kloster-lorsch.de
www.schloesser-hessen.de

 

 


Im September versetzen 14 Premieren Hamburg in einen Theaterrausch

Foto: Hamburg Tourismus GmbH
Foto: Hamburg Tourismus GmbH

 

(Hamburg/krh) - Hamburgs große Theater spielen wieder und eröffnen ihre Spielzeiten mit 14 Premieren allein im September. Mit den Erstaufführungen von „Wicked – Das Musical“, „Richard the Kid & the King“ und „Der Idiot“ begrüßten Hamburgs Theater und Musicalhäuser am letzten Wochenende das Publikum zurück live vor Ort und starteten damit einen wahren Kulturrausch. Allein das Deutsche SchauSpielHaus und das Thalia Theater bieten in diesem Monat 13 Premieren für ein kulturhungriges Publikum.

 

 

Musical-Restart: „WICKED – Das Musical“ feiert Premiere im Stage Theater Neue Flora

 

Stehende Ovationen, begeisterte Jubel-Rufe und endlich wieder Live-Entertainment: Nach mehr als 18 Monaten pandemiebedingter Zwangspause kehrte am Wochenende der Applaus in das Stage Theater Neue Flora zurück. Rund 900 Gäste, darunter Prominente wie Schauspielerin Susan Sideropoulos, Regisseur Fatih Akin und Ex-Handballer Pascal Hens, feierten die Premiere des zauberhaften Broadway-Klassikers „WICKED – Das Musical“ und damit den erfolgreichen Restart der Musicals in Hamburg und ganz Deutschland. Weitere geplante Musicalpremieren in Hamburg werden Disneys „DIE EISKÖNIGIN“ am 7. November und „HAMILTON“ im gleichen Monat sein.   

  

 

 

Umjubelte Deutschlandpremiere von „Richard the Kid & the King“ im Deutschen SchauSpielHaus

 

Mit der Hamburg-Premiere der bei den Salzburger Festspielen umjubelten Inszenierung "Richard the Kid & the King" nach William Shakespeare in der Regie von Karin Henkel, feierte das Deutsche SchauSpielHaus am Wochenende den Auftakt seines Premierenreigens.

Allein im September sind acht Premieren geplant: Drei Uraufführungen mit "Was Nina wusste" von David Grossman in der Regie von Dušan David Pařízek (ab 19.09.), "J’accuse!" von René Pollesch in der Regie des Autors (ab 25.09.) und "Die Räuber der Herzen" nach Friedrich Schiller in der Regie von Bonn Park (ab 30.09.). Dazu kommen in diesem Monat noch die deutschsprachige Erstaufführung "Kindeswohl" von Ian McEwan in der Regie von Karin Beier (ab 18.09.), die Hamburger Fassung von "Café Populaire" von Nora Abdel-Maksoud (ab 04.09.), "Die Brüder Karamasow" von Dostojewski in der Regie von Oliver Frljić (ab 12.09.) sowie in der Reihe UnterGrund "Ecce Homo oder: Ich erwarte die Ankunft des Teufels, Teil II" (ab 15.09.).

Weitere Informationen und Tickets zu den Premieren der Saison 2021/22 unter www.schauspielhaus.de/de_DE/premieren_2122.

  

 

 

„Der Idiot“ startet Premierenrausch im Thalia Theater

 

"Der Idiot" ist bereits Johan Simons' vierte Romanbearbeitung für das Thalia Theater. Die Bühnen-Adaption des großen Dostojewskij-Romans mit Jens Harzer, Marina Galic und Felix Knopp in den Titelrollen wurde am letzten Wochenende von Publikum und Presse gleichermaßen gefeiert.

Bereits diese Woche geht es mit der Uraufführung von Sibylle Bergs sogenanntem Musical "GRM Brainfuck" am 10. September weiter im Premierenrausch. Am 19. September zeigt Nobelpreisträgerin Olga Tokarczuk mit der deutschsprachigen Erstaufführung von "Die Jakobsbücher" bereits ihre zweite Inszenierung im Thalia. Im Thalia Gauß feiert am 18. September die zweite Inszenierung von Hakan Savaș Mican Premiere: "Blick von der Brücke" von Arthur Miller, gefolgt von "Transit" nach Anna Seghers am 25. September in der Regie des iranischen Regisseurs Amir Reza Koohestani, der erstmals am Thalia inszeniert.

Nachdem die Live-Premiere von "Shockheaded Peter" von den Tiger Lillies in der Regie von Peter Jordan bereits am 21. August stattfand, stehen jetzt noch vier weitere Aufführungen der Junk-Oper nach Motiven aus „Der Struwwelpeter“ auf dem September-Spielplan.

Weitere Informationen und Tickets zu den Premieren der Saison 2021/22 unter www.thalia-theater.de/programm/premieren-2021&2022.

 

  

 

Musicalwochenende ab 101 Euro -  Stornogarantie bis 3 Tage vor Anreise
Die Hamburg Tourismus GmbH hat für das Musical „WICKED“ ein attraktives Pauschalangebot geschnürt: Ab 101 Euro pro Person erhalten Buchende eine Übernachtung im ausgewählten Hotel inkl. Frühstück, das Musical-Ticket in der gewählten Preiskategorie sowie eine Hamburg CARD für freie Fahrt mit Bus und Bahn und den Hafenfähren. Buchbar online unter www.hamburg-tourism.de/buchen/reisepakete oder telefonisch unter +49 (0) 40 300-51-701. Das Ganze ohne Risiko, denn mit der Stornogarantie von Hamburg Tourismus können alle Reisepakete kostenlos bis 3 Tage vor Anreise storniert oder umgebucht werden. Wer nur ein Musicalticket benötigt, kann dieses ab 49,90 Euro buchen.

 

 

 

 

Über den Kulturrausch Hamburg

Mit dem Kultursommer Hamburg feierten Hamburgs Kulturveranstalter*innen, Künstler*innen und Kreative den Neustart der Kultur und versetzten die Stadt in einen Kulturrausch, der weit über den Sommer hinaus anhält und mit der Wiederaufnahme der regulären Programme der Kulturinstitutionen der Stadt zum Dauerzustand wird. Die fortschreitende Impfkampagne macht Kultur live und vor Ort auch im Innenraum wieder möglich, die Konzerthäuser und Theater sind in die neue Spielzeit gestartet, die Museen und Kunsthäuser der Stadt haben großartige neue Ausstellungen auf dem Plan und das Reeperbahn Festival, das Harbour Front Literaturfestival und das Filmfest Hamburg sorgen über den Herbst für berauschende Festival-Atmosphäre. Und auch das Jahr 2022 wird mit einem kulturellen Highlight beginnen: Im Januar feiert Hamburg den fünften Geburtstag seines kulturellen Wahrzeichens, der Elbphilharmonie Hamburg.

 

 

 

 

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#BringPuppyToLife

The Guggenheim Museum Bilbao and MC Gransan present P.U.P.P.Y. in connection with the crowdfunding campaign to restore Puppy, the Museum’s floral sculpture

Foto: The Guggenheim Museum Bilbao and MC Gransan
Foto: The Guggenheim Museum Bilbao and MC Gransan

(Bilbao/pm) - The Guggenheim Museum Bilbao has just presented P.U.P.P.Y., a rap composed and performed by Bilbao-born MC Gransan in the context of the crowdfunding campaign launched for the restoration of Jeff Koons’s iconic sculpture. Recorded around the Museum, the rap ‘gives voice’ to Puppy through Gransan’s perspective and music style—with numerous references and nods to the rap world—and encourages people to contribute to the campaign.

Launched at the end of last June, the crowdfunding initiative will try to gather the funds necessary to carry out the restoration of the internal engineering of the 12-meter-high sculpture Puppy, one of the icons of the Museum and of the city of Bilbao. Over 28,000 euros have been raised out of the 100,000 needed for the renovation of the steel structure, the irrigation system, and the different internal layers that feed the plans and conform Puppy. Thanks to this preventive intervention, Puppy will remain in perfect condition for years to come, and this action will also promote the reduction in water consumption in daily irrigation and a more sustainable maintenance.

 

                                                                                                                         VIDEO RAP P.U.P.P.Y


Die Highlights der Ars Electronica 2021

The New Digital Deal

 

8. bis 12. September

In Linz, 86 weiteren Ars Electronica Gardens rund um den Globus und online

 

(Linz /ae)  - Gemeinsam mit Künstler*innen, Wissenschaftler*innen und Aktivist*innen aus aller Welt fordert das Linzer Festival für Kunst, Technologie und Gesellschaft 2021 einen grundlegend neuen Umgang mit den Herausforderungen unserer Zeit. Einen Umgang, der zweierlei verlangt: Handlungsspielräume, die wir dringend durchsetzen und Handlungsfähigkeiten, die wir uns ebenso dringend aneignen müssen.

 

In Linz und 86 Festival-Gärten rund um den Globus...

 

In Linz bündelt sich diese künstlerisch-wissenschaftliche Erforschung unserer Zukunft zum einen entlang einer Festivalmeile in der Innenstadt, die vom OK im OÖ Kulturquartier über die Linzer Kunstuniversität Linz am Hauptplatz und das Salzamt bis zum Ars Electronica Center und der STADTWERKSTATT am Nordufer der Donau reicht und zum anderen in „Kepler’s Gardens“ auf dem Campus der Johannes Kepler Universität. Dazu kommen weitere 86 Ars Electronica Gardens in aller Welt, die sich der Forderung eines „New Digital Deals“ anschließen. Die dabei unterbreiteten Vorschläge werden teils vor Ort für das lokale Publikum, teils online für die internationale Community angeboten.

 

und online

 

 

Stichwort online – nach knapp eineinhalb Jahren „Home Delivery“ und einem ersten hybriden Festival 2020, setzt Ars Electronica den nächsten Schritt und präsentiert sich nun als dualer Event. Die in Frankreich entwickelte Eventplattform Swapcard dient als zentrales Tool und eröffnet Zugang zu einer Fülle von gestreamten Lectures, Workshops, Concerts und Tours aus Linz und den Ars Electronica Gardens in aller Welt. User*innen können sich hier ihren eigenen Festivalkalender zusammenzustellen und in zahlreichen Chats untereinander austauschen und vernetzen.


Lebenslange Erinnerungsarbeit. Das Germanische Nationalmuseum zeigt Fotografien von Stefan Moses in einer Kabinettausstellung

Abb.: stefan moses: Fritz Bauer, Frankfurt am Main, 1965 © archiv stefan moses
Abb.: stefan moses: Fritz Bauer, Frankfurt am Main, 1965 © archiv stefan moses

 

(Nürnberg/gnm) - Am Sonntag, 29. August wäre er 93 Jahre alt geworden: Stefan Moses (1928 – 2018) war einer der bedeutendsten Fotografen der Bundesrepublik. Im Jahr 2016 schenkte er dem Germanischen Nationalmuseum in Nürnberg mehr als einhundert schwarz-weiß Fotoprints seiner Serie „Deutschlands Emigranten“. Eine Auswahl von 26 Bildern ist derzeit in einem Kabinettraum in der Dauerausstellung zu Kunst und Design des 20. Jahrhunderts zu sehen.

Thomas Mann, Fritz Bauer oder Marcel Reich-Ranicki sind nur einige der bekannten Persönlichkeiten, die Stefan Moses auf seinen Aufnahmen festhielt. Sie eint ihr Schicksal: Mit Beginn der NS-Diktatur aus politischen oder rassistischen Gründen verfolgt, waren sie gezwungen, Deutschland zu verlassen. Nicht alle kehrten dauerhaft zurück. Exemplarisch veranschaulichen Moses‘ Bildnisse damit die Zäsur, die die Emigration hunderttausender Menschen für das kulturelle und intellektuelle Leben in Deutschland bedeutete.

Die Fotografien entstanden ab 1949 an unterschiedlichen Orten. Sie zeigen Personen, die das öffentliche und intellektuelle Leben nicht nur in Deutschland bis in die 2000er Jahre wesentlich mitbestimmten, darunter Schriftsteller*innen, bildende Künstler*innen, Schauspieler*innen und Politiker. Die verschiedenen Settings spiegeln deren individuelle Lebensläufe. Der Jurist Fritz Bauer, der sich unermüdlich für die Ahndung der NS-Verbrechen einsetzte, stützt sich auf seinen Schreibtisch. Den Nürnberger Hermann Kesten hielt Moses in einem Café sitzend fest, entsprechend der Aussage Kestens, dass ihm „im Exil das Café zu Haus und Heimat“ wurde. Andere Porträts folgen einem sorgfältigen Konzept der Inszenierung: Willy Brandt, Tilla Durieux u.a. ließ Moses draußen im Wald zwischen imposanten Bäumen posieren. Die Schauspielerin und gefeierte Brecht-Interpretin Therese Giehse dagegen steht vor einem schlichten, dunklen Grund.

Erst im Nachhinein fasste Moses einige seiner über Jahrzehnte entstandenen Aufnahmen unter dem Titel „Deutschlands Emigranten“ zusammen. Die Serie ist eine Art Resümee seines Schaffens, das in der modernen Porträtfotografie neue Maßstäbe gesetzt hat.

Stefan Moses selbst, Sohn eines jüdischen Juristen, überlebte die Internierung in einem schlesischen Zwangsarbeitslager und wurde 1950 in München ansässig. Vor diesem Hintergrund erklärt sich sein Interesse am Schicksal deutscher Emigrantinnen und Emigranten und seine Empathie, die in vielen der Fotografien erkennbar ist: „Jeder hat seine Aufgabe. Meine ist: Menschen festzuhalten, bevor sie verloren gehen. Die Fotografie ist lebenslange Erinnerungsarbeit.”


Die Kabinettausstellung „Deutschlands Emigranten. Fotografien von Stefan Moses“ ist bis Sonntag, 3. Oktober 2021 in der Dauerausstellung zur Kunst des 20. Jahrhunderts zu sehen. Sie ist Teil des Projekts zum bundesweit begangenen Festjahr „1700 Jahre jüdisches Leben in Deutschland“. Einen vertiefenden Einblick in Moses‘ Leben und Werk gibt ab September eine online-Ausstellung. Unter dem Titel Tsurikrufn!, dem jiddischen Wort für Erinnerung, stellt der Arbeitskreis selbständiger Kulturinstitute (AsKI) jüdische Künstler, Mitarbeiter, Sammler oder Mäzene vor, die Wesentliches für ihre Einrichtung geleistet haben.

Deutschlands Emigranten. Fotografien von Stefan Moses
Studioausstellung im Germanischen Nationalmuseum, Nürnberg
noch bis 3. Oktober 2021

 

 


KULTURSOMMER HAMBURG

5.700 Künstler*innen versetzten auf 1.800 Veranstaltungen über 185.000 Besucher*innen in einen Kulturrausch

(Hamburg/ks) - In Hamburg ist die Kultur eindrucksvoll zurückgekehrt: Der am Montag zu Ende gegangene Kulturmarathon zieht eine beeindruckende Bilanz: Vom 15. Juli bis 16. August wurden 1.800 Veranstaltungen von 185.000 Besucher*innen besucht. Es haben insgesamt 110 Kulturveranstalter*innen ihre Projekte realisiert und dabei 200 Veranstaltungsorte mit Kultur aller Sparten bespielt, verteilt auf 55 Stadtteile und meistens open air. Daran waren mehr als 5.700 Künstler*innen beteiligt, von denen 75 Prozent aus der Metropolregion Hamburg kamen. Mit einer Auslastung von im Schnitt 73 Prozent waren die Events - trotz der Wetterkapriolen des Hamburger Sommers - gut besucht. Nach dem Kultursommer geht es kulturell berauschend weiter: In Hamburg starten die Theater und Konzerthäuser in die neue Saison und die großen Festivals wie das Reeperbahn Festival oder das Filmfest Hamburg stehen an.

Diese sowohl zahlenmäßig als auch von der künstlerischen Qualität her beeindruckende Bilanz des Kultursommers zog heute der Initiator Dr. Carsten Brosda, Hamburger Senator für Kultur und Medien: „Der Kultursommer hat Hamburg in einen kulturellen Ausnahmezustand versetzt. Der große Publikumszuspruch zeigt, wie sehr die Hamburgerinnen, Hamburger und ihre Gäste Live-Kulturerlebnisse vermisst haben. Nicht mitgezählt sind dabei die vielen Zaungäste, die in diesem Sommer quasi im Vorbeigehen Kultur erleben konnten. Die Kulturveranstalter und -veranstalterinnen haben grandios gezeigt, welche Vielfalt und Vitalität die Kulturstadt Hamburg ausmachen. Das Feedback der zahlreichen beteiligten Künstlerinnen und Künstler ist überwältigend. Viele von ihnen sind beim Kultursommer zum ersten Mal seit mehr als eineinhalb Jahren wieder aufgetreten. Der Kultursommer hat gezeigt, wie wichtig Kultur für die Hamburgerinnen und Hamburger und die Stadt ist! Mit viel Rückenwind aus dem Sommer können wir nun in einen kulturell ebenso vielfältigen Herbst mit Spielzeiteröffnungen und Festivals starten. Der Kulturrausch Hamburg geht weiter.“

Die Besucher des Kultursommers kamen aber nicht nur aus Hamburg, die Veranstaltung strahlte auch weiter in die Region und nach ganz Deutschland aus. Michael Otremba, Geschäftsführer der Hamburg Tourismus GmbH dazu: „Der Kultursommer ist eine große Bereicherung für unsere Stadt. Der Kulturrausch hat weite Kreise gezogen und hat auch deutlich über unsere Stadtgrenzen hinausgewirkt. Die Resonanz in den Medien und in den sozialen Kommunikationskanälen ist ebenso überwältigend. Wir nehmen diesen Schwung jetzt mit, um Hamburg weiter als kontrastreiche Kulturmetropole sichtbar und erlebbar zu machen.“

Nach dem Motto: Runter von den Screens, rein in den Raum, rauf auf die Bühnen. Zurück in die Stadt, zurück zum Publikum, zurück in die Zukunft markierte der Kultursommer Hamburg den Anfang des Neustarts der Kultur in Hamburg nach dem langen Lockdown im Winter und Frühling und wurde durch ein umfangreiches Förderprogramm der Stadt Hamburg ermöglicht. Letztendlich verwandelten 1.800 oft auch kurzfristig geplante Musik- und Kunstfestivals, Ausstellungen, Performances, Open-Air Kinos und Lesungen die gesamte Elbmetropole für einen Monat in eine Bühne für 5.700 Hamburger Künstler. Nach dem Kultursommer geht Hamburg einen weiteren Schritt in Richtung neue kulturelle Normalität.

 

 

Der Kulturrausch Hamburg geht weiter: „Open all senses“

Die fortschreitende Impfkampagne macht es möglich, dass die Hamburger Theater und Konzertstätten Ende August und im September in ihre neue Spielzeit starten. So beginnt die Elbphilharmonie Hamburg am 1. September ihre Jubiläumsspielzeit und  feiert am 11. Januar ihren fünften Geburtstag. Allein das Deutsche Schauspielhaus und das Thalia Theater warten innerhalb der ersten Spielzeitwochen mit 16 Premieren auf. Das legendäre Reeperbahn Festival zeigt vom 22. bis 25. September wie auch in Pandemiezeiten Livemusik und Feiern auf dem Kiez möglich sind. Das Harbour-Front Festival lädt zu Lesungen bekannter Autoren an den Hafen (9. September bis 24. Oktober) und das Filmfest Hamburg demonstriert vom 30. September bis 9. Oktober, dass „Filme berühren“ können und hilft, die Kinosäle der Stadt wieder zu füllen.

Dazu zeigen die Museen und Ausstellungshäuser im Herbst hochkarätige Ausstellungen wie den amerikanische Künstler „Tom Sachs“ in den Deichtorhallen (Eröffnung 19. September) oder die Schau „Emil Nolde und der Norden“ im Bucerius Kunstforum ab dem 16. Oktober. Ein komplettes Herbstprogramm für alle Sinne.

Kultursommer Hamburg – Zahlen & Fun Facts:
·    1.800 Veranstaltungen an 200 Veranstaltungsorten in vier Wochen
·    veranstaltet in 7 Bezirken und 55 Stadtteilen
·    185.000 Besucherinnen und Besucher
·    5.700 Künstlerinnen und Künstler
·    25.000 Meter „Kultursommer-Flatterband“, 3.000 verschenktes Kultursommer-Eis
·    20 Quadratmeter „Kultursommer-Teppich, der an 5 Locations für die Kultur ausgerollt wurde

Im Kultursommer fielen insgesamt ca. 74 Liter Regen pro Quadratmeter und es gab 168 Stunden Sonnenschein. Typisch hamburgisch erreichten die Temperaturen Höchstwerte von 28,6°C (am 25.07) und Tiefstwerte von 10,6°C (am 20.07)

Impressionen vom Kultursommer Hamburg finden sich unter www.kultursommer.hamburg.

 

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Ars Electronica Home Delivery:

Inside Festival und The Art of Swarms

(Linz/ae) - Faszinierende Ausstellungen, inspirierende Talks und Konferenzen, themenspezifische Führungen, Workshops und tolle Konzerte mit digitaler und/oder klassischer Musik und all das sowohl in Linz als auch an zig weiteren Locations rund um den Globus: Von 8. bis 12. September wird das Ars Electronica Festival wieder als hybrider Event über die Bühne gehen. Der thematische Ausgangspunkt für diese Reise um die Welt ist die Forderung nach einem „New Digital Deal“.

 

Diese Woche stellen Veronika Liebl (Managing Director, Ars Electronica), Kristina Maurer (Head of European Projects, Ars Electronica) und Laura Welzenbach (Head of Ars Electronica Export) im Rahmen von Ars Electronica Home Delivery wieder Festival-Gärten aus der ganzen Welt vor. „Inside Festival – Episode 8“ widmet sich am 18.8.2021 den Themen Datenkompetenz und Vorurteile und präsentiert Projekte aus den Ars Electronica Gardens in Utrecht, Amsterdam und Lugano. „Episode 9“ beleuchtet am 19.8.2021 Projekte der Ars Electronica Gardens in Esch-sur-Alzette, Araucanía und Quebec, die sich mit Nachhaltigkeit und Ökologie beschäftigen. Darüber hinaus werden in beiden Episoden ausgewählte Arbeiten jungen Künstler*innen aus dem Pool von „u19 – create your world“ vorgestellt. Dienstag, 17.8.2021, gibt dann Peter Holzkorn, Key Researcher und Künstler am Ars Electronica Futurelab, im Rahmen der „25th Anniversary Series“ Einblick in aufsehenerregende Schwarm-Performances des Ars Electronica Futurelab mit Drohnen und Bodenrobotern.

 

Besuchen Sie doch auch die Website des Ars Electronica Festival.



TOM SACHS UND SEIN TEAM BEGEBEN SICH AUF DIE 4. INTERSTELLARE MISSION

Foto: dth
Foto: dth

­(Hamburg/dth) - Vom 19. September 2021 bis zum 10. April 2022 begeben sich die Deichtorhallen Hamburg gemeinsam mit dem amerikanischen Künstler Tom Sachs und seinem Team von Bildhauer*innen und Astronaut*innen auf eine interstellare Mission, dem SPACE PROGRAM: RARE EARTHS (SELTENE ERDEN). Diese vierte Ausstellung in Sachs' »Space Program« ist Teil seiner dreizehnjährigen Erkundungsreise an die Grenzen anderer Welten und menschlicher Möglichkeiten zur Erforschung des Weltraums.
 
In SPACE PROGRAM: RARE EARTHS (SELTENE ERDEN) geht es für Sachs’ Astronaut*innen auf den hellsten und erdnächsten Asteroiden Vesta, mit dem Ziel, die mineralischen Seltenen Erden des Protoplaneten abzubauen und somit den unbändigen Hunger der Menschen nach Technologie zu stillen. Alles Überlebenswichtige für diese Mission haben Sachs und seine Crew an Bord – konstruiert aus Sperrholz, Schaumstoffplatten, Schrauben, Heißkleber und verschiedenen anderen Utensilien.
 
Auf 3.000 Quadratmetern Ausstellungsfläche wird Tom Sachs die Halle für aktuelle Kunst mit neuen und bereits bestehenden Bricolage-Arbeiten in eine interaktive Space-Landschaft verwandeln. Zum Auftakt der Ausstellung werden Sachs und sein Team das skulpturale Gesamtkunstwerk durch eine sogenannte »Marathon-Demonstration« aktivieren. Am 18. September 2021 wird eine vollständige Space Mission gezeigt, die nach strengstem Raumfahrtprotokoll durchgeführt wird. Teil des ganztägigen Prozesses sind neben der wissenschaftlichen Erforschung des Asteroiden Vesta und dem Abbau von Mineralien von dessen Oberfläche auch die Versorgung der Astronaut*innen mit Lebensmitteln, deren Unterhaltungsprogramm sowie die Entsorgung ihrer menschlichen Abfälle während ihrer Mission, aber auch das Ritual der japanischen Teezeremonie.
 
Während der Ausstellungszeit können sich die Besucher*innen einem »Indoktrinationsprozess« unterziehen, innerhalb dessen ihnen spezifische Aufgaben und Fragen gestellt werden. Nach erfolgreicher Absolvierung der »Indoktrination« werden Besucher*innen Teil des Tom Sachs-Teams, erhalten eine ID und die Berechtigung, an der Installation teilzuhaben. Sie lernen ikonische Elemente vergangener Missionen kennen, darunter das »Landing Excursion Module (LEM)« und »Mission Control Center«. »Indoktrinierte« Besucher*innen werden dazu ermutigt, sich auch dem Ritual der »Transsubstantiation« (lat. für Wesensverwandlung) hinzugeben: Indem sich Besucher*innen von ihren Mobiltelefonen trennen, liefern sie einen wichtigen Beitrag zu Sachs’ Feldforschung zur mentalen Vernetzung der Menschheit und ihrer Sucht nach Technologie. Gleichzeitig tragen sie zur Gewinnung der sogenannten »Abyss« bei.
 
Tom Sachs: »Wir begeben uns nicht in andere Welten, weil wir diesen Planeten kaputt gemacht haben und eine neue Heimat suchen, sondern um unsere Ressourcen hier auf der Erde besser zu erfassen. Wir sind alle telepathisch durch unsere Mobilgeräte miteinander verbunden. Diese Geräte funktionieren mithilfe von Elementen der Seltenen Erden. Wir produzieren mehr Telefone als die Ressourcen des Planeten Erde liefern können. Vesta mit seinem differenzierten Kern bietet einzigartige Möglichkeiten für den Abbau von Edelmetallen: Gold, Platin und Palladium – Rohstoffe, die wir dringend benötigen, um unsere Bedürfnisse zu stillen.«
 
Jede Space Mission von Tom Sachs geht auf einen spezifischen künstlerischen Aspekt ein – so auch die Vesta-Mission. In SPACE PROGRAM: RARE EARTHS (SELTENE ERDEN) sind zahlreiche neue Arbeiten von Sachs zu sehen: »Transubstantiation« (2020/21), »Vehicle Assembly Building« (2021) und ein MRT-Gerät, in dem sich eine virtuelle Reise unternehmen lässt.
 
Alle vier Weltraumexkursionen – die zum Mond in der Gagosian Gallery (2007), die Marsmission in der Park Avenue Armory (2012), die zum Jupitermond Europa im Yerba Buena Center for the Arts (2016) und die bevorstehende zu Vesta – sind von wissenschaftlichem Forschergeist und der Praxis der Bricolage gleichermaßen durchdrungen. Gerade in unserem Zeitalter der instant gratification, in dem alles jederzeit verfügbar ist, legt Sachs seinen Fokus darauf, die menschlichen Spuren von Handwerk und Konstruktion als Markenzeichen zu etablieren. Er hinterfragt Aspekte moderner Kreativität und spielt auf heutiges Konsumverhalten, Produktionsweisen und die kurze Lebensdauer der Dinge an, die wir kaufen.
 
Für Tom Sachs sind die ausgestellten Skulpturen so etwas wie »Objekte der Liebe«, mit denen tief verwurzelte Traditionen hochgehalten werden, wie etwa die Rituale der Atelierarbeit, alles Analoge und seine Faszination für Handgefertigtes. Spuren von Bleistiftstrichen, Leimtropfen, Kratzer und freiliegende Schweißnähte sollen die Prozesse der Handarbeit bewusst verdeutlichen und transparent machen. Die Werke entstehen gemeinsam mit seinem zehnköpfigen Studioteam, das ähnlich funktioniert wie eine religiöse Gemeinschaft, deren Verehrung allerdings dem Sperrholz, der Heißklebepistole und dem Ethos der Transparenz gilt.

ÜBER TOM SACHS (*1966, New York)
Tom Sachs’ genresprengende Mixed-Media-Skulpturen, oft Nachbildungen moderner Ikonen aus alltäglichen Materialien, zeigen die ganze Arbeit, die in der Herstellung eines Objekts steckt und stehen für eine Umkehrung des Trends immer modernerer Produkte mit ihren sauberen, einfachen und perfekten Kanten. Sachs’ Skulpturen sind auffallend handgemacht, liebevoll zusammengebaut aus Sperrholz, Harz, Stahl und Keramik. Die Narben und Unvollkommenheiten in den Skulpturen erzählen die Geschichte ihrer Entstehung und lösen sich von der Vorstellung einer wundersamen künstlerischen Empfängnis.

Die Arbeiten von Tom Sachs wurden weltweit in Ausstellungen gezeigt. Sie befinden sich in den Sammlungen des Solomon R. Guggenheim Museums, des Whitney Museum of American Art, des Museum of Modern Art in New York, des Centre Georges Pompidou in Paris, des Metropolitan Museum of Art in New York, des San Francisco Museum of Modern Art und des Astrup Fearnley Museum of Modern Art in Oslo. Sachs hatte große Einzelausstellungen im Nasher Sculpture Center in Dallas (2017), im Brooklyn Museum (2016), im Noguchi Museum in New York (2016), im Contemporary Austin (2015), in der Park Avenue Armory in New York (2012), im Aldrich Contemporary Art Museum in Ridgefield, Connecticut (2009), in der Fondazione Prada in Mailand (2006), im Deutsche Guggenheim in Berlin und im SITE Santa Fe (1999).Tom Sachs lebt und arbeitet in New York.